Nina Simone, prêtresse et musicienne

Nina Simone, Couverture de l’album High Priestess of Soul, Label Philips Phonographic Industries, 1967

La couverture de l’album High Priestess of Soul sortie en 1967 marque un grand tournant dans la production visuelle de Nina Simone. Cette illustration regroupe plusieurs inspirations,  avec des motifs et des codes propres au monde égyptien. 

La chanteuse y apparaît semblable à une reine égyptienne ornée d’une coiffe typique appelée le Némès. Sa position de profil marque une ressemblance certaine avec un hiéroglyphe. Beaucoup d’éléments illustrent le thème de la musique. On y retrouve un piano à queue à sa gauche qui garde un aspect vieilli. Comme s’il était construit dans une matière friable similaire à du papier. Le clavier de ce piano s’allonge dans son cou. Il fait partie de son être. D’autres instruments de musique sont repris dans sa coiffe : un manche de violoncelle, un coffre de guitare, un tambourin, une cymbale, ou encore un morceau de saxophone. Cette coiffure allant vers l’arrière sera reprise dans d’autres de ses couvertures telles que : Silk and Soul en 1967, et Fodder on my wings en 1982.

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Far Cry 6 : Jouer à la révolution

« Nous ne fuyons aucun sujet. Cela sera un jeu politique » – Navid Khavari, Directeur narratif pour Far Cry 6

« Ce jeu est une œuvre de fiction. Toute ressemblance avec des événements ou des personnes réelles, vivantes ou décédées, est entièrement fortuite » – Message affiché au lancement du jeu Far Cry 6

Ces deux discours contradictoires traduisent le paradoxe d’une des dernières super productions vidéoludiques du géant Ubisoft. Une tension qui interroge les dynamiques du discours dans le jeu vidéo.

Les game studies ont démontré que les jeux vidéo, à l’instar d’autres médiums, sont à même de porter un discours. Plus encore, pour Ian Bogost, ils possèdent un pouvoir expressif qui leur est propre et qui participe à partager une certaine vision du monde[i]. D’un autre côté les jeux vidéo sont aussi les produits d’une industrie culturelle très lucrative et fortement mondialisée. Ce sont ainsi près de 200 milliards de dollars que l’industrie aura générés en 2021, la plaçant ainsi loin au-dessus du cinéma. Cependant cette industrie concerne principalement les pays occidentaux et une partie de l’Asie, à la fois en termes de concentration des consommateurs mais plus encore des producteurs. Ce sont ces deux constats qui font dire à Laurent Trémel, que les jeux vidéo dans leur ensemble sont au service d’une idéologie dominante[ii]. Cette idéologie pourrait être résumée à une vision néo-libérale, capitaliste, socio-démocrate et occidentale du monde. En d’autres termes, en tant que produit culturel occidental, issu d’une industrie pleinement intégrée dans le capitalisme, le jeu vidéo porte sur le monde une vision très souvent ethnocentrée, légitimant les idéologies dans lesquelles il voit le jour.   C’est justement ce qui pose problème dans le cas de Far Cry 6. C’est en effet d’abord un blockbuster du jeu vidéo, pleinement intégré dans une vision occidentale et capitaliste du jeu vidéo. Pourtant les équipes du studio affirment dans le même temps tenir un discours politique, alors même que l’inspiration principale du jeu est une révolution d’inspiration marxiste.

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L’appropriation de l’esthétique préraphaélite dans Ophelia 2018, la réinterprétation féministe d’Hamlet  

Le film Ophélia 2018 réalisé par Claire McCarthy, écrit par Semi Chellas, est une adaptation du roman de Lisa Klein Ophelia paru en 2006. C’est une réécriture d’Hamlet de Shakespeare du point de vue féminin. Il suit l’histoire d’Ophélie, interprété par Daisy Ridley, et sa vie d’une dame d’honneur de la reine Gertrude. Le roman reprend les événements d’Hamlet et remplit les lacunes de l’histoire liée à Ophélie.

Le film Ophelia 2018 est considéré comme une interprétation féministe1 d’Hamlet. Bien qu’il y ait un problème avec le scénario, on va parler davantage de l’esthétique visuelle du film. Le film a une ambiance unique par rapport à de nombreuses adaptations shakespeariennes. L’aspect le plus important est comment Ophelia 2018 s’inscrit dans l’esthétique préraphaélite.

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  1. Maria Nae Ophelia “Little White Lies” 22 Novembre 2019 https://lwlies.com/reviews/ophelia/ []

Les images refusées du 11 Septembre: exemple de 9/11 par Thomas Hoepker 

 

Le Monde n’a plus été le même après les attentats du 11 septembre 2001 à New York. C’est ce que la plupart des personnes que vous interrogerez sur cet événement dramatique vous répondront. Effectivement, beaucoup de changements ont vu le jour à partir de ce jour sanglant, que ce soit le durcissement des protocoles de sécurité, la médiatisation des événements mais également leur narration et leur exposition. Au lendemain des attentats, le président américain George W. Bush ordonnera d’étudier les possibles liens entre les attentats du 11 Septembre et l’Irak. Bien qu’aucun lien n’ait été trouvé, une campagne patriotique générale voit le jour pour l’engagement des Etats-Unis dans une guerre contre l’Irak. Cet attentat fait écho aux combats de Pearl Harbor dans l’imaginaire des américains ainsi qu’à la guerre du Vietnam. Le guerre d’Irak voit le jour officiellement le 20 mars 2003 avec l’invasion de l’Irak par la coalition menée par les États-Unis contre le parti Baas de Saddam Hussein. Les Etats-Unis pointent du doigt plusieurs raisons face à cette décision dont l’arrestation de Saddam Hussein afin d’instaurer une démocratie et la pacification de l’Orient par un effet d’exemple, éliminer des armes de destruction massive qu’était censé détenir l’Irak ainsi que continuer la « lutte contre le terrorisme ».

Lorsque nous confrontons les différentes unes de journaux américains publiés le 12 Septembre 2001, nous nous rendons compte que les photos diffusées sont identiques : principalement la photographie qui montre les tours encore debout, une explosion et un nuage de fumée noire. La même image est donc réutilisée, elle est parfois recadrée. Ces images expriment des sentiments de douleurs, d’immensité, de choc sans jamais montrer les victimes ou les témoins.

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Un Maillot Pour Exister

            En Juin 2021, l’équipe belge Alpecin-Fenix participe à son premier Tour de France, elle compte sur le néerlandais Mathieu Van Der Poel pour rapporter les bouquets de vainqueur d’étape. Mais celui-ci, en plus d’être un des plus grands talents de sa génération a un autre atout pour mener ses coéquipiers sur le sommet du Tour : sa famille. Né d’un autre cycliste néerlandais : Adrie Van Der Poel, Mathieu est surtout le petit-fils de la légende française Raymond Poulidor. Déjà adulé dans son pays[1], Mathieu Van Der Poel débarque en France avec une étiquette de coureur spectaculaire, talentueux mais encore inconnu du grand public, tout comme son équipe qui compte sur ses nombreux sprinters-routiers pour dynamiser les fins d’étapes réputées ennuyeuses de la première semaine.

Jusque-là, Alpecin-Fénix n’est dans le monde du cyclisme sur route qu’une équipe de seconde division[2], chez les connaisseurs elle commence à se faire un nom mais participer à la « Grande Boucle » va lui permettre de rentrer dans la cour des grands.

Avant de compter sur des potentielles victoires, l’équipe va dynamiser le début du Tour en débarquant à la présentation des équipes, le 24 juin à Brest dans un ensemble original, elle abandonne ses couleurs bleues, noires et rouges pour un mélange de violet et jaune qui va directement provoquer une filiation chez les suiveurs de la petite reine. En effet, ces couleurs sont celles de l’équipe Mercier de Raymond Poulidor dans les années 1960.  Celui qui est connu pour ses sept podiums sur la plus grande compétition du monde sans jamais avoir porté le maillot de leader a péri quelques mois plus tôt laissant un grand vide dans les rangs du cyclisme français. Il est assurément le cycliste le plus connu en France et aussi le plus supporté à travers l’histoire, la « Poupou Mania » est de retour ce 24 juin. Alpecin-Fénix réussit un tour de magie inédit, elle n’est plus l’équipe belge de seconde division, elle est la formation de Mathieu Van Der Poel, petit-fils de Raymond Poulidor qui est en mission : porter cette tunique jaune. Fort d’un support inédit, le prodige néerlandais échoue sur sa première occasion mais le lendemain il remporte l’étape menant à Mûr-de-Bretagne et embrasse la tunique jaune. Mathieu Van Der Poel n’est plus un outsider, il est devenu une légende de ce sport. Ce changement d’identité est une réussite pour la popularité de l’équipe, du coureur, une transformation qui va bien au-delà de la marchandisation.

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“Nope” de Jordan Peele : L’Homme à la Cam-Era

(Note en préambule : cet article contient des révélations importantes quant à l’intrigue du film)

À notre époque, la photographie est devenue un divertissement aussi répandu que le sexe et la danse, ce qui veut dire que, comme toutes les formes d’art populaire, la photographie n’est pas pratiquée comme un art pour la plupart des gens. C’est principalement devenu un rite social, une défense contre l’angoisse et un instrument de pouvoir.

Susan Sontag, Dans la Caverne de Platon

À l’heure où ces lignes sont écrites, plusieurs revues et institutions font état de l’année cinématographique qui s’est écoulée, par de traditionnels classements annuels. Dans le podium des meilleurs films de l’année selon Les Cahiers du Cinéma et le New Yorker, y figure le troisième long-métrage de Jordan Peele : Nope. Objet hybride entre science-fiction et western, parasité par des séquences horrifiques saisissantes, cette super-production clivante n’a pas cessé de fasciner (ou de répulser…) celles et ceux qui s’y sont aventuré.es. Dans une interview accordée aux Cahiers l’été dernier, Peele déclara que « Nope n’est pas résumable en une phrase, une idée ». ( 1) Si le pitch est simple, celui d’un frère et sa sœur qui vont partir à la conquête photographique d’un extraterrestre survolant leur vallée, il est certain que le film se veut plus dense que ce qu’il a promis durant sa campagne publicitaire. Pour y voir plus clair, cet article va s’intéresser aux multiples couches qu’accorde le film à un motif bien particulier : l’image.Coutumier des images sous toutes ses formes, autant parodiques qu’horrifiques, Jordan Peele y signe son film le plus réflexif sur ce medium. Comment l’arrivée d’un objet volant non-identifié dans une vallée de Californie peut-elle être à ce point théorique sur notre manière de créer, d’observer et d’exploiter des objets photographiés ? Pour répondre à cette problématique, cet article étudiera plusieurs axes du film sous le prisme d’un essai important sur la photographie en rapport avec certains points du film de Peele : Dans la Caverne de Platon de Susan Sontag. Dans ce texte, l’essayiste et militante envisage l’image photographique comme quelque chose nous incitant au défi ( 2) :

« Voici la surface. À vous maintenant
d’appliquer votre réflexion, ou plutôt votre sensibilité, votre intuition, à trouver ce qu’il y a au-delà,
ce que doit être la réalité, si c’est à cela qu’elle ressemble ».

Nope est truffé d’images-surfaces, que notre sensibilité sera capable de déceler point par point comme autant de réflexions sur les images de Jordan Peele.

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