A LOOK AT VIVIENNE WESTWOOD’S BIOGRAPHY From couture to counterculture

As a fashion buff, I’ve just finished reading Ian Kelly’s Vivienne Westwood’s biography, published in 2014 by Picador. It deals with this iconic designer’s achievements as an artist coming to grips with her creative process, as well as with more personal aspects of her private life. It could be added that this book was written by both the designer herself and her biographer, who previously dealt with the lives of Antonin Careme (2004), Beau Brummell (2005), Casanova (2005) and Samuel Foote (2012).

 WESTWOOD Vivienne, KELLY Ian, Vivienne Westwood, London, Picador, 2014

A real Fashion lady

The book starts with the end of Vivienne Westwood’s career, that is the preparation of her new and last collection in 2014. Through various outlooks on her character, her attitudes towards others, and her political, artistic and cultural choices, she’s depicted in a vividly human light. Emphasis is laid, too, on the strong bond she had established with the close knit team that supported her, she clearly didn’t work on her own.

Above all, this biography highlights the designer’s creative process, as well as her avant-gardism illustrated, for example, by her use of recycled materials, among other innovations. We’re given too the opportunity to slip through the back door, and stand in the wings during the shows. The book also insists on that great lady’s influence on the contemporary scene of the English fashion industry, with such names as Naomi Campbell, for instance.  

From the intimacy of youth to the floodlights of maturity :

Anecdotes about Vivienne Westwood’s early life show how potentially rich the environment in which she grew up was. The episode of the wedding dress may foretell the « DIY » attitude which was to become the very core of Punk culture and of the Westwood House. Throughout the book and its carefully-chosen illustrations, the reader clearly perceives how she grew from that perfect little girl into that famous Punk woman sporting a wild bleached haircut.

Quirky quotes by Vivienne Westwood, such as her reference to Marry Shelley and the topic of creation in Frankenstein, highlight a rather offbeat approach to popular culture. She indeed drew her inspiration from the street, as well as from the fringes of British society and culture, which differentiated her from mainstream Parisian creators. This state of mind pervaded all her work, and turned her into an icon of English pop culture, alongside with the Sex Pistols or Queen Elisabeth II.

Blowing up English « politeness » :

The name of Vivienne Westwood often conjures up the image of a time bomb. She was the advocate of a clothing style that blew-up the notion of politeness, if seen as the epitome of decorum, sociability, and political mainstream values. Every testimony in the book contributes to that overall perception, showing that the artist and the private individual were not that far apart.

The reader shares Vivienne Westwood’s inspirational outbursts through direct references to numerous fashion shows, and photo shoots, involving sentimental stories and dramatic career turning points. Her creative process was based on brilliant impulses and breakthroughs. She dared to break the stifling rules imposed by British society on body perception and sexuality. She broke all the codes, and wrote new ones, heralding some form of radical spiritual transformation among young people in Britain.  

Shop regulars Danielle, Alan Jones, Chrissie Hynde, Vivienne and Jordan spelling out their favourite emporium.

Between High and Low Art :

The author lays the emphasis on the notions of High and Low Art, which are keys to Vivienne Westwood’s creation. He mentions very famous paintings that were made fun of, such as queen Elisabeth’s portrait, and he draws a parallel between them and characters from low art and popular culture, such as Carrie Bradshaw from Sex and the City. Although a key Punk fashion designer, Vivienne Westwood was capable of classical achievements, as illustrated by pictures of exquisite and refined embroidery that could be considered as mainstream high fashion.

Vivienne Westwood Studio Sketch, Gold Label.

A committed activist :

Vivienne Westwood wasn’t only a designer, but also a committed woman who has made an impression on both catwalks and minds. A lot of material illustrates her committed, critical and militant views on both British and international issues, such as Nuclear Disarmament, or the use of water in the world.

Stylistic and narrative quality :

This biography is based on a « flash back » structure which sheds light on the meaning of its contents. In fact, we move from 2014, the peak of Vivienne Westwood’s career, to the early childhood of a young girl born in poverty-stricken post-war Britain.

This narrative choice makes us understand how British society evolved and what led to Vivienne Westwood’s artistic choices and urges which were to shape up, ultimately, her inimitable and renowned style. Just like Coco Chanel, who was inspired by the convent where she grew-up, Vivienne Westwood drew her inspiration from her social background, that is street, culture and handmade objects. As for Ian Kelly’s coarse and energetic style, it is a fitting homage to the strength of Punk rebellion.

Vivienne Isabel Swire. Aged four-and-three quarters. 

In short, this biography needs to be read in full, as it is an interactive combination of numerous visuals, quotations and anecdotes from Vivienne Westwood’s archives. The reader is led to share the designer’s most intimate personal and professional memories. The embroideries, fashion collections, and gorgeous works shown in the book highlight Vivienne Westwood’s colourful and daring character, in both her professional and private lives. Ian Kelly’s style reflects the Punk, raw quality of her work. The stylistic characteristics of this biography lay the emphasis on Vivienne Westwood’s Punk- like life through rude phrasing and provocative memories. This gripping tale is to be enjoyed without moderation!

Jeanne Vanden Wildenberg

Visual credits: WESTWOOD Vivienne, KELLY Ian, Vivienne Westwood, London, Picador, 2014 [Captions for illustrations come from the same biography]

La Nature est-elle belle par nature ? La beauté comme viatique de la physique fondamentale.

Dans cet ouvrage1, il ne s’agit pas de dresser un état des lieux des dernières découvertes et théories en vogue dans le milieu de la physique fondamentale, mais d’observer ce milieu et sa démarche épistémologique de l’intérieur par l’intermédiaire du travail d’enquête de Sabine Hossenfelder, chercheuse en physique théorique à l’Institut des Études Avancées de Francfort.

Face à la stagnation de la recherche en physique fondamentale, où l’expérimentation n’est pas (plus ou pas encore?) à même d’affirmer ou d’infirmer les théories avancées, vers quelle direction amener la recherche ?

La physique fondamentale est actuellement enlisée dans une suite de problèmes théoriques insolubles. Explication : la théorie se heurte à des frontières au-delà desquelles la description physique du monde est tout simplement impossible, (entre autres, le Mur de Planck2 ) et où les outils permettant l’expérience et/ou l’observation ne peuvent accéder ou influent directement sur le milieu.

On peut alors avancer presque n’importe quelle théorie : celle-ci n’est ni vérifiable, ni réfutable. Sa nature même se trouve malmenée, particulièrement dans son acception popperienne3 : si une théorie ne peut être ni observée, ni expérimentée, elle ne peut être réfutée et perd donc sa scientificité. 

C’est ce presque qui est exploré par Sabine Hossenfelder. Ce presque qui repose quasi entièrement sur les mathématiques. Qu’est-ce qui guide la recherche alors qu’aucune donnée issue de l’observation n’est disponible ? 

Seules les mathématiques permettent d’appréhender la multitude de théories possibles. Non seulement elles permettent de s’en saisir mais également de les manier, de les developper et de les modifier. Mais si une solution est valable mathématiquement, l’est-elle dans le monde réel ? Les mathématiques permettent à la fois un nombre ahurissant de théories pour expliquer notre univers4 et de contourner des obstacles théoriques. Une théorie quelconque nécessite des dimensions d’espaces supplémentaires ? Qu’à cela ne tienne, ajoutons mathématiquement le nombre de dimensions requis par cette théorie (tout en sachant que nous ne pouvons pas vérifier l’existence de ces dimensions supplémentaires…) Ceci n’est qu’un exemple des multiples possibilités de rectification d’une théorie par les mathématiques.

Rappelons qu’en science, une théorie n’est pas le monde mais une description, une façon parmi les moins incorrectes de définir certains paramètres de notre environnement. 

Pour être plus clair, la théorie est un outil, un ensemble de modèles, perpétuellement questionnée et remise en cause. Tant qu’une théorie n’est pas prise en défaut, elle permet de comprendre avec une bonne précision les principaux sujets dont elle traite.

Ces remarques deviennent capitales alors que la physique se heurte à plusieurs notions et phénomènes qu’elle peine à expliquer, dont le principal est l’unification de la physique quantique et de la relativité générale (l’une fonctionne très bien à l’échelle atomique, l’autre à l’échelle cosmique, mais toutes deux sont incompatibles entre elles). Parmi ces problèmes inexpliqués, on trouve la matière noire dont on ne sait pas s’il s’agît de matière interagissant faiblement avec la matière ordinaire (dite baryonique), d’effets non connus de la gravité, si elle est composée de micros trous noirs primordiaux (c’est à dire apparus très peu de temps après le Big-Bang) ou encore si notre interprétation de la gravitation est correcte.

Comment poursuivre l’exploration de la physique dans ces conditions ? C’est à cette question que s’est intéressée l’autrice, et particulièrement à un aspect surprenant pour le lecteur non-familier des dernières connaissances en physique : la recherche de la beauté. Il n’est pas question ici d’esthétique au sens classique, mais d’ordre de grandeur dit « naturel » ou d’ « élégance » d’une équation ou d’une idée. Autrement dit, c’est une idée de la beauté que se fait la majorité des physiciens qui dicterait l’orientation des recherches.

Si certaines notions de physique frappent par leur apparente simplicité et sobriété (on peut rappeler la célèbre formule E=mc2 ), rien ne dit que la beauté est inscrite a priori dans la nature, au travers du langage mathématique que nous utilisons pour la décrire (et de quelle beauté parle-t-on au juste ?). Il n’en reste pas moins que nous pouvons trouver dans la nature des motifs visuels ou des proportions répondant à des lois mathématiques, et que nous y trouvons une forme de beauté. Le célèbre exemple de la coquille de nautile et du nombre d’or, les structures de Turing ou les fractales en témoignent. Cela explique la nature mais en aucun cas ne prouve que la nature « fait » des mathématiques, et à plus forte raison qu’elle se servirait de ces mathématiques pour fabriquer du beau.

Si cette question de la beauté ne dépend pas directement de la physique en tant que telle, l’autrice s’interroge et enquête auprès des plus grands spécialistes mondiaux de la physique théorique pour déterminer si la beauté peut être un guide dans ce qui apparaît comme une panne sans précédant de ce domaine. Il n’est pas question de s’esbaudir sur la variété du vivant ou la beauté des supernaovae, mais d’interroger la notion de beauté dans ce cadre strict de la physique (qui provient du grec phusikós « naturel »). Le monde académique de la physique, où l’intuition serait intimement liée à la beauté, apparaît alors comme un milieu social soumis aux mêmes aléas que n’importe quel autre milieu, avec des biais semblables. Un des exemples présent dans l’ouvrage est explicite à ce sujet : Steven Weinberg ( Prix Nobel de Physique 1979) base la beauté sur l’expérience5 , par analogie avec un éleveur de chevaux qui saura, au premier coup d’œil, détecter le « beau » cheval qui remportera de nombreux titres, cela grâce à l’expérience accumulée. Mais nous avons une certaine connaissance des équidés et ils sont accessibles aux sens et aux appareils de mesure, contrairement à l’exploration du problème physique dont nous parlons. À l’habituation à la beauté est opposé le caractère inconnu et inédit de ce que l’on recherche.

Cette approche de la Beauté est à examiner à la lumière de la définition hégélienne d’un Beau non préexistant, à réaliser dans le monde, et de celle, kantienne, d’un beau universel, tout en soulignant que le goût n’est pas un jugement de connaissance mais ordonne le monde.

Quelle que soit la définition que donne la physique de la beauté, la thèse de J. W. McAllister6  (professeur d’histoire et de philosophie des sciences à l’université de Leiden) est alignée face au « processus d’apprentissage de ce qui a fonctionné »7 : d’une nouvelle idée de la beauté déboucherait une révolution scientifique. Avec pour exemple l’héliocentrisme ou la mécanique quantique.

Ces sujets peuvent apparaitre mystérieux et de peu d’intérêt aux yeux du profane, ils ont pourtant des répercussions bien concrètes. C’est suivant la théorie la plus en vogue que sera décidée la construction d’un nouveau collisionneur de particules par l’Organisation européenne pour la recherche nucléaire…avec ces milliards d’euros de travaux (le Large Hadron Collider, dans sa configuration actuelle, est chiffré à 4,88M€8 ). 

Vue du tunnel du LHC, anneau de 27km sous la frontière franco-suisse. (Nicolas BUSSER / Photothèque IN2P3)
Vue du tunnel du LHC situé à la frontière franco-suisse.  Il consiste en un anneau de 27 kilomètres de circonférence formé d’aimants supraconducteurs et de structures accélératrices qui augmentent l’énergie des particules qui y circulent.(texte : site du CERN https://home.cern/fr ; image : Nicolas BUSSER / Photothèque IN2P3)

Loin de s’arrêter à cette simple objection financière, l’autrice amène une réflexion intéressante sur les dessous du monde de la production de connaissances et des conditions de travail qui en découlent9 : difficultés de financement, recherche orientée par un vision à court-terme et mercantile… Elle démontre que ces théories, ne pouvant plus s’appuyer sur des observations, deviennent de simples opinions (avec moult mathématiques et débats de spécialistes) et, comme toutes bonnes opinions, doivent convaincre pour exister. Et exister dans la recherche fondamentale signifie publier et être cité. Le critère de véracité ne se fonde plus sur la scientificité mais sur la séduction qu’exercera une théorie auprès des comités de lecture des revues scientifiques et donc sur une subjectivité. Tout l’opposé de ce à quoi prétend la science.

Ce questionnement montre que les physiciens, qui n’ont bien évidemment pas la primeur du questionnement sur la beauté, s’en sont cependant fait une idée assez nette mais sans interroger leur préconception de celle-ci. Comment leur en vouloir : la notion est non pertinente dans leur champ disciplinaire. Mais l’importance donnée à cette notion comme guide dans leurs recherches est pertinente. Alors que ce choix a des conséquences tangibles sur la recherche en physique fondamentale, peut-être la philosophie, l’histoire et la sociologie des sciences devraient s’emparer de cette problématique pour elle.

  1. Sabine Hossenfleder, Lost in Maths – Comment la beauté égare la physique, (trad. : R. Clarinard), Les Belles Lettres, 2019, 978-2-251-44931-9, 339p. , 19,50€ []
  2. Le Mur de Planck est une limite théorique au-delà (ou avant) laquelle les notions d’espace et de temps sont sans objet. Ce serait donc théoriquement le plus petit élément mesurable de notre univers. []
  3. Karl Popper (1902 – 1994) place la scientificité d’un concept principalement dans le fait que celui-ci peut être réfuté et soumis à la critique. []
  4. « […]les physiciens ont découvert que la théorie permettait une vaste quantité de configurations possibles, chacune trouvant son origine dans une possibilité de compactification différente et menant à une théorie différente dans la limite de l’énergie faible. Puisqu’il y a tant de façon de construire la théorie – on les évalue aujourd’hui à 10500 –, le modèle standard en fait plausiblement partie » S. Hossenfelder, Lost in Math, op. cit. p 209. []
  5. « Vous avez établi cette analogie avec un éleveur de chevaux. Ça semble suggérer que le fait de prêter attention à la beauté dans le développement théorique est lié à l’expérience? – Oui, c’est ce que je crois, répond Weinberg […]Nous avons appris que quelles que soient les théories que nous suggèrent nos idées esthétiques il faut d’une façon ou d’une autre les confronter à l’expérience. Et au fil du temps, nous avons appris non seulement que les théories suggérées par notre sens de la beauté doivent être confirmées par l’expérience, mais progressivement, notre sens de la beauté change d’une manière qui découle de notre expérience » S. Hossenfelder, Lost in Math, op. cit. p 123-124. []
  6. James. W. McAllister, Beauty and Revolution in Science, Cornell University Press, 1996 []
  7. p186, S. Hossenfelder, Lost in Math, op. cit. []
  8. « Combien coûte le LHC » ; https://home.cern/fr/resources/faqs/facts-and-figures-about-lhc ; consulté le 16 novembre 2019. []
  9. p188 , S. Hossenfelder, Lost in Math, op. cit. []

Un colloque qui fait la part belle aux femmes

 Ce jeudi 19 Septembre se tenait  dans la petite salle du Centre Pompidou de Paris la première journée du colloque « Faire œuvre. La formation et la professionnalisation des artistes femmes aux XIXe et XXe siècles ». Co-organisé par le musée  d’Orsay et de l’Orangerie, l’association AWARE ( Archives of Women Artists, Research and Exhibitions) ainsi que le centre Pompidou qui en était l’hôte pour la première journée, le colloque réunissait des chercheur.e.s venant d’horizons tout à fait différents autour des processus de formation et de professionnalisation des femmes artistes.

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L’IMAGE, LE PLAN, LA METHODE: Raymond Depardon, La Vie Moderne

« Les films sont toujours des fictions, pas des documentaires. Et même un documentaire peut être une sorte de fiction ». Voici les mots de l’acteur Philip Seymour Hoffman lors d’un entretien pour le magazine en ligne Slate publié en 2014. Cette citation remet ainsi en question la notion de réalisme d’un film documentaire, par son travail de l’image, ses coupures, ses choix de montages, entre autre : les modifications et les choix apportés à une image initiale brute.

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Black Mirror, Boston Dynamics et Systèmes d’Armes Létaux Autonomes

La série d’anthologie Black Mirror a eu, dès la diffusion en 2011 de son pilote choc, la réputation de proposer de puissantes dystopies où la technologie a bouleversé des pratiques quotidiennes.
Nous consacrons ce billet à une technologie particulière : celle des ‘robots-tueurs’ de l’épisode Metalhead. Ressemblant à s’y méprendre aux prototypes de la firme Boston Dynamics, ils font aussi écho à une technologie militaire en pleine expansion et au cœur de nombreux débats : les Systèmes d’Armes Létaux Autonomes…

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“Présage” de Hicham Berrada : art expérimental / expérimentation artistique

Présage de Hicham Berrada est une œuvre protéiforme, emblématique de la généralisation ces dernières années d’une rencontre art/science en art contemporain, où chacun des deux pôles enrichit l’autre. Berrada, sans jamais oublier qu’il propose une expérience esthétique au spectateur, joue avec les notions d’œuvre, d’artiste et d’expérimentation.

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Théorie du flow et webdocumentaires

          Dans la perspective de réaliser un webdocumentaire sur les coulisses du tournage d’un film, il m’a fallu en savoir plus sur l’objet multimédia complexe qu’était le webdocumentaire, et notamment de quelle manière il était possible d’en améliorer la navigation et a fortiori l’audience.

          C’est un peu par hasard que je suis tombé sur une conférence du festival PARISWEB de 2013 animée par Florent Maurin, journaliste spécialisé dans les médias et directeur de The Pixel Hunt, un studio de jeux vidéo spécialisé dans les « jeux du réel », des jeux dont l’objectif est de faire réfléchir sur le monde, et donc via des problématiques peu divertissantes de premier abord.

          La conférence était intitulée « Théorie du flow et webdocumentaires ». La théorie du flux cognitif ou cognitive flow a été formalisée par le psychologue hongrois Mihály Csíkszentmihályi dans les années 1970. Le concept défini par une série de principes et bien connu des designers d’expérience, émet l’idée que notre disposition émotionnelle est directement influencée par le rapport entre la difficulté d’une tâche et notre niveau de qualification ; c’est-à-dire qu’une tâche trop compliquée génère de l’anxiété, une trop simple de l’ennui et que, lorsque l’équilibre est atteint, le sujet rentre dans un état de « flow ». Cet état implique une grande concentration, une impression de contrôle, une perte de conscience de soi et de son environnement, une certaine extase, la sensation qu’on peut y arriver et que cette tâche est la seule chose qui importe ainsi qu’une distorsion de l’écoulement du temps (il passe beaucoup plus vite).

          Ces effets se retrouvent très souvent dans la consommation de jeux vidéo, et c’est en appliquant au webdocumentaire les conditions d’accession à cet état que Florent Maurin tente de formuler des règles et des conseils pour le rendre plus efficace et attractif. Par un design du dispositif et des interactions s’inspirant des principes de la théorie du flow, on peut répondre aux problèmes actuels des webdocumentaires, souffrant notamment d’un manque de clarté, d’immersion et in fine d’une consultation dépassant rarement les vingts minutes pour souvent plusieurs heures de documentation. Voici quelques exemples de ces conseils :

  • Le feedback doit être clair et rapide/réactif (jauges de progression, système de trophées, bruitages tout cela environ 300 ms après l’action de l’utilisateur pour qu’il comprenne bien que c’est cette action qui a entrainé cette conséquence et pas autre chose).
  • Pour favoriser une plus grande immersion, les distractions extérieures doivent être diminuées le plus possible (conseiller le plein écran et le casque audio, garantir la fluidité du stream, faire disparaître l’interface lorsque la souris ne bouge plus, etc.).
  • Permettre l’exploration (avec gratification continuelle) : possibilité d’approfondir un sujet, système de bonus.
  • S’il y a beaucoup d’informations, on peut amener progressivement la complexité et ne pas tout dévoiler dès le début, ce qui risque d’effrayer (concrètement, ne pas faire apparaître tous les chapitres aussitôt, les rendre accessibles progressivement).
  • Pouvoir estimer l’ampleur de la tâche dès le début, savoir où on est, ce qu’il reste à voir (jauges de progression).
  • Concevoir la transmission d’informations comme une discussion/échange et non un discours à sens unique (au lieu d’écrire « tu as trois parties à ta disposition, choisis en une », plutôt « que veux-tu savoir ? » ; système de quiz).
  • Ne pas oublier de faire de l’UX (User Experience)

La vidéo de la conférence : https://vimeo.com/84519560

Un Sujet Sang Cible

 

Les règles sont intimement liées à mon sujet de recherche.
Sans mauvais jeu de mots ; l’imagerie et le tabou qui entoure le cycle menstruel fait partie de ces choses dont on ne veut pas parler, que l’on n’ose pas aborder et sur lesquelles nous manquons cruellement d’informations.

Pour y remédier voici trois ouvrages. Tous parus en 2017, respectivement en janvier, février et avril.

De gauche à droite, classés par date de parution:

THIÉBAUT, Élise, Ceci est mon sang : Petite histoire des règles, de celles qui en ont et de ceux qui les font,
Paris, La Découverte, 2017.
EMMANUELLE, Camille, Sang tabou : Essais intime, social et culturel sur les règles,
Paris, La Musardine, 2017.
PARKER, Jack, Le grand mystère des règles,
Paris, Flammarion, 2017.

Respectivement écrits par Élise Thiébaut, signalétitienne et auteure de cinq ouvrages traitant de sujets tels que les violences faites aux femmes, l’excision ou la place en politique de la gent féminine ; Camille Emmanuelle, auteure de nombreux article et de six ouvrages traitant de sexualité et de libération des tabous ; Jack Parker, auteure de nombreuse contributions sur des plate-formes comme Mademoizelle, blogueuse à l’origine du phénomène « Passion menstrues » décliné sur divers réseaux sociaux comme Instagram ou Facebook.

De nombreux points de convergences réunissent ces ouvrages : partage d’expériences personnelles, témoignages, des informations concernant les protections menstruelles, l’exploration des mythes (avec une prédilection pour Pline et son histoire naturelle et l’influence des religions), des idées reçues (odeur, sexualité), la domination par la société patriarcale, la douleur

Ces trois ouvrages présentent trois différents niveaux de lecture et trois personnalités bien distinctes liées à la plume de leurs autrices.

Dans Ceci est mon sang, Élise Thiébaut aborde les choses de manière plus sociologique et commence donc par cette notion de passage à l’age adulte et de cette fameuse gifle que l’on reçoit lorsqu’on l’annonce. Sa réflexion évolue, au delà des observations biologiques, autour de l’implication sociale qu’implique le fait d’avoir ses règles. Son écriture, empreinte de féminisme, franche, mêle investigation et humour. Cependant l’ouvrage reste centré sur la question des femmes biologiques, cisgenres. Cet ouvrage s’adresse plus facilement à un public déjà initié ou en tout cas, prêt à s’impliquer dans la lecture attentive de sa prose pleine de références passionnantes et imagées.

Camille Emanuelle, entame son récit, Sang (sans) tabou, par une sorte de « mise au point » pour le lecteur rappelant certaines origines du tabou qu’entoure les règles. Elle emmène ensuite le lecteur à s’interroger sur les différents sujets cités plus haut à travers le partage de sa propre histoire. Fidèle à son style direct et parfois acéré n’épargne aucune des entraves tissées par les « on dit », l’imaginaire développé par la publicité. Plus important, elle insiste sur la nécessité d’inclure les hommes dans ce travail de déconstruction. Même s’il y a là encore un confinement à la vision binaire des menstrues, dans cette ouvrage l’importance d’un travail commun ressort un peu plus que chez sa précédente consœur. Sang Tabou peut ainsi être recommandé à un grand nombre de personnes (sous couvert d’un minimum d’intérêt pour le sujet encore une fois), la gouaille de l’autrice ayant tendance à vous emporter dans son récit et créant le lien.

Je me pencherais un peu plus sur le dernier ouvrage.


Son intérêt tient dans la diversité des activités de son autrice qui alimentent l’imagerie des règles à travers sa pratique sur la toile. Le ton enthousiaste et volontairement dédramatisant semble adapté à tous types de publics. Pour soi, entant que personne « réglée » ou non, pour les parents, les grands-parents ; à partir de la prépuberté cet ouvrage pourrait être d’une grande aide afin de déconstruire de nombreux préjugés. Le grand mystère des règles est un ouvrage à adresser au plus grand nombre. Écrit dans un style fluide et relevant plus de la discussion avec le lecteur que de la dissertation, il contient à la fois informations pratiques et anecdotes utiles avec une place faites aux grands oubliés que sont les femmes cisgenres n’ayant pas de règles, les personnes transidentitaires ou de genre fluide.

capture d’écran,
jeune activiste trans “les règles ne concernent pas que les femmes”

 


À défaut d’utiliser une écriture inclusive, l’auteure parle presque tout au long du livre de « personnes » et non de « femmes », en cela, son discours reste le moins genré des trois, bien que les illustrations tendent à montrer des corps aux attributs féminins.
Le point fort de cet ouvrage, à défaut d’être de plus sérieux, est d’avoir su traiter des sujets communs avec une approche et un discours très accessible. De plus, il s’inscrit dans une démarche imagée, à travers les pages ornées par Madel Floyd, à travers la diffusions d’images sur les réseaux sociaux et même à travers sa couverture qui se détache des autres.

Ce dernier point stimule ma réflexion car cette approche se rapproche des « nouvelles images » de la vulve et semble s’inscrire dans cette recherche d’un schéma de vulve.

Avez-vous lu ces ouvrages ?
Que pensez-vous de tant de tapage pour une histoire de ragnagnas ?


Pour aller plus loin :

Une critique – La causerie Littéraire : Sang Tabou
http://www.lacauselitteraire.fr/a-propos-de-sang-tabou-essai-intime-social-et-culturel-sur-les-regles-camille-emmanuelle-par-michel-host

Une présentation par l’éditeur – Ceci est mon sang
http://www.editionsladecouverte.fr/catalogue/index-Ceci_est_mon_sang-9782707192929.html

Passion Menstrues
https://passionmenstrues.com/author/jackxparker/

https://www.facebook.com/passionmenstrues/

https://www.instagram.com/jackxparker/?hl=fr

Les réseaux sociaux, galeries aux fenêtres ouvertes

 

En explorant la question “comment perçoit-on les images de vulves?”, il a fallu en premier lieu trouver ces images.

On pouvait raisonnablement s’attendre à des images classées pornographiques, des images médicales, pathologiques vraisemblablement, elles sont généralement plus pertinentes, plus subjectivement des images reconnues comme œuvres d’art (comme L’Origine du Monde de Courbet ). Elles existent. Elles sont présentes, c’est un fait. Mais il existe depuis quelques années une prolifération de productions qui semblent échapper à ces cases (nous avons pu le constater à travers les nouveaux cahiers de coloriages) et ce sont sur les réseaux sociaux que se développe et se relaye cette nouvelle imagerie.

En les cherchant par mots clés, hashtags (#vulve, #vulva) sur ces terrains, nul doute que vous trouverez des réponses en adéquation avec votre question.

capture d’écran Instagram suite à une recherche par mot clé

échantillon de résultats

La banalisation de certains sujets touchant à la vulve autrefois gardés sous silence  pousse des sites d’informations généralistes à se pencher sur le sujet. Afin d’illustrer leurs propos, ils puisent alors dans le champs des possibilités mis à leur disposition par les créateurs d’images qui les partagent publiquement.  Ces images sont exposées et potentiellement visibles pour les milliers d’abonnés. Les utilisateurs réguliers de ces réseaux sociaux sont donc susceptibles de rencontrer ces images sans pour autant les rechercher, à travers les suggestions du site, les partages des amis ou des pages suivies.

capture d’écran
Facebook
Exemple du site “Kombini” utilisant des images provenant du compte Instagrame de @thevulvagallery

Ce qui peut mener le lecteur à découvrir son travail

et même se familiariser avec des notions qui lui étaient alors inconnues

Nous pouvons d’ailleurs être amené à sous estimer la portée des images d’Istagram (pour se concentrer sur cet exemple).

Il était évident à mes yeux que travailler sur le sujet signifiait s’impliquer dans ce travail de création et de partage. Et c’est ainsi que j’ai eu la surprise de retrouver, au détour d’une page d’un moteur de recherche parmi les autres “graffitis de vulves” ceci:

image personnelle montrant la broche confectionnée par mes soins portée

capture d’écran personnelle

capture d’écran de ma page Instagram

Je n’avais pas envisagé une seconde que les images, d’amateur, que je partageais surtout à destination de mon entourage et des personnes intéressées par mon travail se retrouveraient ainsi fondues dans l’océan que représente ces multiples vulves. En alimentant son imagerie contemporaine, la vulve sort ainsi totalement des anciens schémas auxquels elle était cantonnée.

De chair, de papier glacé, en feutrine, brodée, multiple, protéiforme, amatrice, professionnelle, artistique, revendicative, sa plasticité semble sans fin.

Quelles limites peut on lui imposer? 

Et vous, que pensez vous de ces nouvelles images?
Les connaissiez-vous?

Images d’émeutes : Vérités sociologiques et judiciaires

Dans ce Billet, nous allons présenter et mettre en perspective deux articles aux visées différentes bien qu’ils abordent le même sujet. Le premier, « Émeutes sur internet : montrer l’indicible ? » est un article écrit par Alain Bertho en 2011 dans la revue Journal des anthropologues. Alain Bertho est un anthropologue, professeur à l’université de Paris VIII, spécialisé dans la recherche sur l’émeute et les soulèvements. Il travaille entre autre à élaborer un recensement exhaustif des émeutes à travers le monde sur son site internet. Dans l’article présenté ici, il questionne la place et le sens des vidéos d’émeutes visibles sur Internet. Il revient d’abord sur les définitions respectives des termes émeute, mouvement et soulèvement et expose leurs évolutions en terme d’ampleur et de nombre de ces dernières années. Puis il se penche ensuite sur les images produites lors de ces émeutes et diffusées sur internet. Il explique ainsi qu’elles appartiennent à plusieurs registres et qu’il s’attardera sur celui qui lui apparaît comme nouveau et qui ne correspond à aucune syntaxe visuelle connue ou reconnue. Il parlera donc dans la suite de l’article des très nombreuses vidéos, postées sur Youtube ou toute autre plateforme de partage de vidéos, sans commentaires ni scénarisation. Il parle d’elles comme des « images quelconques » (dans le sens où l’entend Giorgio Agamben) ou encore des « paroles muettes » (dans le sens où l’entend Rancière) qui « transportent le spectateur ethnographe dans la subjectivité d’un événement auquel il n’a pas pu assister ».

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L’influence du Tape Drawing en réalité virtuelle

Pour étudier l’esquisse et le dessin en trois dimensions, comme ils nous les sommes présentés en réalité virtuelle, il est primordial de d’abord s’intéresser à notre façon de dessiner en deux dimensions. Comme vu dans un précédent billet, notre capacité à dessiner est le produit d’un processus complexe, puisqu’ils nous faut compiler des processus moteurs, cognitifs et émotionnels afin d’arriver à notre fin. Dessiner et esquisser ne sont donc pas des compétences innées mais acquises et c’est notre pratique qui va différencier un novice d’un expert.

Avec plus ou moins de facilité, nous pouvons réaliser des courbes et des lignes, composantes principales du dessin et de l’esquisse, en utilisant un crayon et une feuille de papier. Mais cette feuille est par définition un support 2D et les dimensions qui nous sont alors accessibles sont celles de la 2D, qui omet donc la troisième dimension qu’est la profondeur. Il est possible grâce au dessin traditionnel de représenter la profondeur de l’espace et des objets grâce aux lois de la perspective mais la feuille de papier ne possède aucune information réelle sur le relief représenté (Segura, 1996). Tout comme le dessin traditionnel, le dessin numérique implique également la création de courbes et de lignes. Cependant, les outils informatiques ne fournissent pas la même facilité et efficacité que la méthode traditionnelle du crayon et du papier. Au vu des nombreuses difficultés notamment rencontrées par les artistes et les designers lors de l’utilisation de logiciels de modélisation 3D, de nombreux travaux ont été menés avec la création d’applications numériques pour tenter d’apporter des solutions aux problèmes soulevés, dont celui de la création de courbes 3D.

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De l’usage de l’histoire contrefactuelle dans les jeux vidéo historicisant : l’exemple de la série The Witcher

Troisième opus d’une trilogie vidéoludique, The Witcher plonge le joueur dans un univers médiéval-fantastique sombre, peuplé de monstres, rongé par la guerre, la maladie et les complots politiques. L’ensemble s’incarne visuellement dans un monde qui, pour l’œil averti, rappelle, parfois à s’y méprendre, les paysages urbains du XVe siècle, que l’on pouvait trouver dans l’Europe du Nord (Flandres, Pays-Bas, etc.) ou, pour d’autres régions du monde, les villes italiennes du XVIe siècle.

Un environnement urbain dans le jeu The Witcher 3

Pourtant, le jeu n’a aucun ancrage historique, dans le sens où il ne s’incarne pas dans un moment de notre passé, bien qu’il laisse clairement voir « un passé », et pas n’importe lequel, puisque celui-ci peut aisément être qualifié de « médiéval ». Car si l’histoire n’est en rien, ici, un argument et une composante scénaristique (comme c’est le cas dans d’autres jeux, dont la série à succès des Assassin’s Creed), c’est clairement ici un élément d’habillage, mais aussi de crédibilisation de l’univers. D’ailleurs, les concepteurs de The Witcher le disent eux-mêmes :

« L’un de nos objectifs principaux en travaillant sur cette partie du jeu a été de créer des vêtements et une architecture fondés sur la réalité historique. » (Artbook de The Witcher 2, p.4).

Mais qu’entendent les concepteurs par « fondés sur la réalité historique » ? Si l’histoire n’est pas la scène de The Witcher, mais elle est un ensemble de petites pièces, de petits éléments épars que l’on peut combiner et recombiner à l’infini, à l’image d’un jeu de LEGO. Si Assassin’s Creed peut être caractérisé par une forme de « rigueur » et d’ « attachement » historique, The Witcher, lui, « invente » un passé, un Moyen Âge en l’occurrence, à partir des « briques » de notre histoire.

Pour y parvenir, les concepteurs définissent une source d’inspiration historique principale ou dominante qu’un historien peut aisément borner et situer historiquement. Ainsi, c’est essentiellement dans les XVe et XVIe siècles européens que les créateurs du jeu ont puisé la plus grande part de leurs références et de leur « réalité historique ». Cependant, et parce que justement ils ne cherchent pas à simuler notre histoire, ils ne se sont pas limités à ce fragment historique, et n’ont pas hésité à piocher dans d’autres époques pour construire leur univers. De fait, The Witcher se place dans un Moyen Âge totalement fictionnel et multiforme, qui multiplie les références historiques, toutes époques confondues (de l’Antiquité à la Renaissance, nous y reviendrons), mais possédant un ancrage chronologique majeur aisément identifiable. Ce travail a l’avantage d’offrir une liberté créative quasi infinie, donnant naissance à un univers original situé dans un « passé » lui-même inédit mais identifiable comme passé, tout en garantissant la cohérence, le réalisme et la crédibilité dudit univers. C’est pourquoi on ne peut parler d’univers « historique » ici, mais d’univers « historicisant ».

Cette démarche de réassemblage historique (appelons cela ainsi) est d’ailleurs présentée dans l’artbook du deuxième opus de la série, The Witcher 2 : Assassin of Kings (2011) par les équipes créatives. Dans le chapitre introductif du jeu, le personnage-joueur (Geralt de Riv) se retrouve à traverser un temple. Or, bien que le jeu soit ancré, on l’a vu, dans une esthétique et un style XVe – XVIe siècles dominants, la religion du royaume où se trouve le héros est polythéiste. Les concepteurs se sont donc retrouvés face à un problème : comment faire en sorte que l’esthétique architecturale du temple se fonde dans l’ambiance générale de l’univers qu’ils ont créé, et qu’en même temps le joueur comprenne qu’il n’est pas ici dans une église chrétienne telle qu’on en trouvait au XVe siècle, à l’image des cathédrales gothiques, par exemple ? Voici ce qu’en disent les concepteurs :

« Nous voulions éviter toute ressemblance avec des bâtiments religieux historiques. Nous avons donc décidé de créer notre propre style, en mélangeant plusieurs modèles connus. Cela explique pourquoi on y trouve [dans le temple] un portail gothique avec des tours romanes massives et des éléments tels que des obélisques et des cromlechs. ». (Artbook de The Witcher 2, p.20)

La première image ci-dessus nous montre un des artworks réalisés à la suite de cette réflexion. On reconnaît bien le portail gothique, les tours et les fenêtres en berceau propres à l’architecture romane, ainsi que les menhirs de pierre marquant l’entrée du temple. Pour ce qui est de l’intérieur du bâtiment religieux, le constat est encore plus frappant. La seconde illustration ci-dessus est un autre dessin préparatoire montrant une vue interne. Il s’agit d’un espace circulaire, dont la voûte, et l’oculus qui la coiffe, ne sont pas sans rappeler le dôme du Panthéon de Rome. Les hauts piliers qui la soutiennent évoquent l’art gothique, tout comme les vitraux, dont on peut voir une représentation détaillée sur l’illustration ci-après.

Au centre de cette pièce, se dresse un cromlech de pierre en lieu et place de l’autel (illustration 2). C’est visiblement le centre sacré du temple, et il évoque immédiatement les religions païennes. C’est aussi ce qu’expliquent les concepteurs :

« Ce dessin montre l’autel principal de la divinité locale. Cet objet est nettement plus vieux que les murs du temple qui l’entourent. Il était sûrement ici avant même que la forteresse ne soit construite. C’est ce à quoi les temples des divinités païennes auraient ressemblé si leur religion avait continué à se développer à la fin du Moyen Âge et si elle avait bénéficié de la pensée architecturale contemporaine. ». (Artbook de The Witcher 2, p.20)

On le voit ici, les concepteurs de The Witcher font ce que l’on appelle de l’histoire contrefactuelle (ou uchronie). En posant la question du « si », ils parviennent au mélange d’un ensemble d’éléments issus d’époques historiques différentes, rassemblés et unifiés par la ligne stylistique principale, qui, elle, peut être datée. Bien que le résultat soit une création totalement fantasque et historiquement irréaliste, cette démarche donne pourtant, paradoxalement, son réalisme à l’univers de The Witcher.

La sociologie de la réception : une autre façon de penser l’image et son spectateur

En 1991, les sociologues Jean-Claude Passeron et Emmanuel Pedler publient Le temps donné aux tableaux. Compte-rendu d’une enquête au Musée Granet, qui conceptualise et met en pratique un nouveau type de sociologie : la sociologie de la réception. Souvent cité depuis – l’introduction générale, courte mais théoriquement très riche, étant aussi l’un des chapitres de Le raisonnement sociologique de Passeron, paru la même année –, l’ouvrage a permis l’avènement d’une façon de penser la réception inédite, et qui se prolonge encore de nos jours, la méthodologie et ses outils ayant certes évolué mais dont les principes ont conservé leur pertinence.

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Parlons de moi, parlons radio.

Hervé Glevarec, Ma radio, attachement et engagement, Paris, ed. INA, février 2017.

Le très court ouvrage présenté d’Hervé Glevarec restitue une enquête sociologique auprès d’auditeurs/auditrices  de radio de tous âges, de toutes générations confondues. L’auteur s’intéresse aux liens que ces derniers tissent avec ce medium en pleine mutation à l’ère du numérique. Réalisée avec le soutien de Médiamétrie, l’ enquête proposée aborde et donne à voir à travers un corpus d’images et de textes, les transformations des conditions acousmatiques. Continuer la lecture de Parlons de moi, parlons radio.

Axiologie de la visibilité.

HEINICH Nathalie, De la visibilité. Excellence et singularité en régime médiatique, Paris, ed. Gallimard, 2012.

Les deux siècles passés mettent en image à travers le régime médiatique, l’ascension d’une élite sociale qui se compose de personnes que l’on désigne sous les appellations vedettes, stars, people. Ces dernières se donnent à voir tantôt dans les espaces publics, tantôt dans les espaces privés sous de nombreuses formes. De la visibilité. Excellence et singularité en régime médiatique est un imposant ouvrage de la sociologue Nathalie Heinich. S’inscrivant dans le prolongement de son ouvrage L’élite artiste publié en 2005, l’ouvrage propose une approche sociologique de la figure de vedette afin d’en saisir les enjeux et les évolutions « dans toutes ses dimensions […] : technologiques, historiques, sociologiques, économiques, juridiques, psychologiques et morales » (p. 4). Continuer la lecture de Axiologie de la visibilité.

Sciences et cultures du visuel, master 2 de l'université de Lille