Manuel Bolaño : La spectacularisation de la blessure

Dans le contexte actuel, il semblerait que l’innovation et la surprise priment et le monde de la mode n’y fait pas exception. Depuis plusieurs décennies maintenant, les designers de mode se surpassent et font de leurs défilés des performances artistiques. Les défilés sont devenus un art vivant. Ceux-ci s’installent réellement comme spectacle à partir des années 1980. Nous pouvons citer Jean-Paul Gaultier, Thierry Mugler, Vivienne Westwood ou encore Alexander McQueen comme grandes figures du défilé pensé comme performance artistique. Plus que tout autre créateur, on pense d’abord au belge Martin Margiela qui assume pleinement le lien entre défilé et performance, et ce, depuis son tout premier défilé en 1989 ; où il fit marcher ses mannequins dans de la peinture rouge pour laisser des traces tout au long du podium.

Alexander McQueen, grand pionnier des défilés-performances, ouvre le bal aux extravagances, notamment avec son défilé printemps-été de 1999. Son défilé se clôture sur le top model Shalom Harlow, immobile sur une plateforme tournante et deux robots de part et d’autre, projetant de la peinture sur une robe blanche immaculée. Depuis 1999, l’artiste se démarque et repousse les limites de ses shows. Mannequins dans des boîtes en plexiglas, démarches obstruées par des formes métalliques et bien d’autres choix esthétiques qui mettent les collections au second plan. Ce choix de spectacularisation des défilés sert de support pour transmettre une idée, un message. Le défilé et le corps deviennent alors des médiums de diffusion.

Tandis que les défilés-performances deviennent une chose courante, une nouvelle surprise se profile dans le monde de la mode : Manuel Bolaño.  Empruntant le même chemin que McQueen et Westwood, il suscite la surprise générale à Barcelone et ceci à deux reprises.

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Alix cléo roubaud : la photographie au service de reflexions sur le temps, le corps et la mort

« tiré épreuve des cyprès de St-Felix. Prise la nuit avec ouverture de 01-15 minutes. Légère oscillation de bas en haut de l’appareil due sans doute à ma respiration ».1

Journal, Alix Cléo Roubaud, le 20 novembre 1980. 


Ce sont les mots employés par Alix Cléo Roubaud au sujet de sa photographie 15 minutes la nuit au rythme de la respiration. Ce cliché où nous peinons à discerner le paysage en raison de son flou résulte de la respiration de l’artiste. Elle se serait allongée nue face à ces cyprès, laissant l’appareil ouvert plusieurs minutes en le posant sur sa poitrine. Véritable « autoportrait par le souffle »2 d’après Héléne Giannecchini, ce cliché nous invite à entrer dans l’intimité de l’artiste en nous dévoilant, d’une manière assez inédite, son corps malade. Depuis son plus jeune âge elle souffre d’asthme aigu, des problèmes de santé qui la condamnait à mourir précocement, elle s’éteindra à l’âge de ses 31 ans suite à une embolie pulmonaire. Bien plus qu’une simple photographie d’un paysage flou, « ce saisissant paysage bougé réunit le vécu de la photographe (Alix Cléo Roubaud allongée par terre face à une haie de cyprès) et ses réflexions conceptuelles ».3 Le travail d’Alix Cléo Roubaud est marqué par des réflexions liées à sa pratique photographique mais aussi par des des réflexions sur le temps, le corps et la mort, thèmes abordés tout au long de son œuvre. 
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  1. T. (2017, 13 juin). Quinze minutes la nuit au rythme de la respiration – L’influx. L’influx. http://www.linflux.com/art/focale/quinze-minutes-nuit-rythme-de-respiration/ []
  2. Rouges, L. (2019, 16 septembre). Alix Cléo Roubaud, ou le petit Wittgenstein photographique. Amateur d’art. https://www.lemonde.fr/blog/lunettesrouges/2014/11/10/alix-cleo-roubaud-ou-le-petit-wittgenstein-photographique/ []
  3. Cassigneul, A. (2015, 24 juin). Le diamant noir. La Vie des idées. ISSN : 2105-3030 https://laviedesidees.fr/Le-diamant-noir.html []

Quelques représentations de viol dans la culture visuelle contemporaine

TW : viol, images à caractère violent.

 

Dans le dernier numéro de La Déferlante, la revue des révolutions féministes, j’ai été interpellée par l’article « Pourquoi il faut absolument voir la série I May Destroy You » de Jennifer Padjemi1, à tel point que j’ai souhaité le découvrir de mes propres yeux.

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  1. Padjemi Jennifer, « Pourquoi il faut absolument voir la série I May Destroy You », La Déferlante, n°4, décembre 2021. []

Publicité consciente et métapublicité dans l’agriculture

LA RÉPONSE DES MARQUES FACE AUX REPROCHES DES CONSOMMATEURS

 

Ciel bleu, gazon vert, agriculteurs souriants, oiseaux chantants et prospérité. Un retour à la vie verte sans pollution. Voici le paysage que certaines représentations de produits alimentaires peignent. Souvent, les produits les plus concernés sont ceux commercialisés avec les étiquettes “bio” et “équitables”. Au cours des années, de nombreuses théories et analyses dénoncent ce tableau qui présente un modèle d’une vie idéale et fantasmée qui est une ruse de l’économie libérale, ainsi qu’un outil pour établir des envies et des projections dans l’esprit des consommateurs1

Cette utopie de l’agriculture sème une certaine méfiance chez les consommateurs et les spectateurs. Le scepticisme peut s’expliquer par de multiples raisons. En premier, il y a le fait que, de nos jours, se manifeste une prise de conscience des failles du rythme de consommation et du système qui le permet. Une structure qui a besoin de personnes placées en bas de la pyramide, des personnes qui travaillent de longues heures avec des rémunérations insuffisantes. Couramment, les métiers de ces individus sont ceux qui emploient la force de la main d’œuvre comme travailler à l’usine ou dans l’agriculture. Ensuite, grâce à une remise en question de l’éthique du système actuel et une dénonciation de cas de figure particuliers de mauvaises conditions de travail, la nouvelle génération de consommateurs (générations y et z) sont sceptiques au sujet des publicités qui représentent des scénarios idylliques pour les travailleurs. Surtout car au long des dernières décennies, nous avons été témoins de compagnies connues pour leur traitement inadéquat envers les employés et des conditions de travail inappropriées qui utilisent des recours comme celui de la représentation “la campagne idéale” et des “agriculteurs heureux” pour masquer ce qui se passait derrière les coulisses. Parmi les craintes les plus entendues de la part des consommateurs nous retrouvons la maltraitance animale, l’usage de pesticides et produits chimiques nocifs, et la pollution des transports chargés de la mobilisation des produits alimentaires (camions, bateaux, avions, etc.). 

 

Publicité télévisuelle consciente

La liste de compagnies connues par leur rythme inconsidéré de consommation des ressources naturelles, leur importante contribution à la pollution et les mauvaises conditions pour leurs employés qui cherchent à nettoyer leur réputation par le biais de publicités télévisuelles est extensive. Vu le sujet de cette analyse, nous allons nous concentrer sur les compagnies productrices d’aliments. Restauration rapide, boissons gazeuses et alcoolisées, et même supermarchés sont coupables de faire recours à cette idéologie visuelle. Continuer la lecture de Publicité consciente et métapublicité dans l’agriculture

Imagerie aérienne opératoire dans les aéronefs à des fins stratégiques

Images opératoires 

L’apparition de caméras de plus en plus performantes ces dernières années en corrélation avec les divers développements informatiques et des systèmes embarqués, ont accompagné entre autres, la production massive d’images particulières, les “images opératoires”. Nous allons ici revenir plus particulièrement sur le caractère opératoire des images produitent par des aéronefs militaires, en partie selon l’angle du réalisateur allemand Harun Farocki, qui parlait des images opératoires comme étant des images qui “ne visent pas à restituer une réalité, mais font partie d’une opération technique”1. En parlant de ces images, Farocki faisait notamment référence à l’imagerie employée dans les différents véhicules, aéronefs et missiles militaires qui n’étaient qu’un intermédiaire à l’action. On retrouve des exemples de sa pensée par rapport à ces images dans des films qu’il a réalisé comme Eye/Machine, 2000, ou encore War at distance, 2003, qui tout deux mettent en question le rapport qu’entretiennent ces images face au réel. 

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  1. Harun Farocki, « La Guerre trouve toujours un moyen », HF | RG, Harun Farocki & Rodney Graham, Les Presses du réel, Jeu de Paume, Paris, 2009. []

“IMAGES MISES EN SCÈNE?”

RAINHO, Maria do Carmo Teixeira. “Imagens encenadas? Atos performativos e construção de sujeitos nas fotografias de moda”. Estudos Ibero-Americanos, [Portugais] vol. 44, p. 28-40, 2018.

La photographie de mode est vue comme frivole et centrée sur les apparences, ce qui en fait un sujet moins facilement valide pour les recherches académiques. Ce n’est pas facile de trouver des références qui ont la photographie de mode comme sujet principal. Néanmoins, elle fait plus que vendre des vêtements, elle transmet des messages et des concepts à des millions des personnes qui la voient dans les réseaux sociaux, les magazines, les catalogues. Depuis les années 60, une relation a été initiée entre la photographie de mode et l’art et, grâce à cela, une ouverture a été possible pour la création et l’expérimentation qui ont donné à la photographie de mode une autonomie et la possibilité de parler de sujets divers et même polémiques, malgré la frivolité apparente du genre. Continuer la lecture de “IMAGES MISES EN SCÈNE?”

La visualité du concert, de l’image classique de retransmission à l’image spectaculaire : Vers une médiatisation visuelle des concerts

Réflexion sur les problématiques de visibilité dans les grandes salles et sur l’adaptation ou l’évolution de la dimension visuelle du live qui entretient un lien étroit avec sa médiatisation

De nos jours, la musique devient de plus en plus rattachée à la représentation visuelle en suivant l’évolution des avancées technologiques qui permettent de fournir des images suffisamment adaptées aux événements.

FIGURE A

 

Cela est notamment visible dans la construction de salles de concert gigantesques ou d’aménagement de lieux, non spécifiques à ce type de représentation, dans le but de les recevoir occasionnellement comme dans le cas des stades ou des hippodromes par exemple. En 1969, l’un des plus grands festivals ayant marqué l’histoire eut lieu sur des terres agricoles dans la campagne de l’État de New York : Woodstock. Environ 500 000 personnes sont venues vivre une expérience dont les conditions étaient en grande partie peu adaptées pour un tel événement, mais les artistes ont tout de même réussi à se produire face au public. Cependant, comme on peut le voir sur la Figure A ci-dessus, la foule était d’une telle immensité qu’il devait être presque impossible d’entendre le son et de voir les musiciens pour le public qui se situait à une centaine de mètres d’une scène, dont la technologie manquait largement de puissance pour fournir une diffusion appropriée.

Aujourd’hui, l’évolution de la technique, qu’elle soit sur le plan sonore ou visuel, s’est grandement développée pour offrir à une foule les moyens de percevoir un concert même lorsque la distance entre la scène et le dernier rang du public est grande. Ainsi, l’amélioration des micros et des enceintes permet une diffusion par amplification beaucoup plus vaste, et l’installation d’écrans géants rend la visibilité possible de loin, comme en haut à gauche et à droite de la Figure B ci-dessous du concert du groupe de Hard Rock Iron Maiden à la salle de Paris Bercy en 2011.

FIGURE B

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“Euh… la philo, qu’est-ce que c’est?” : de quoi la philosophie est-elle le nom dans “la faute à rousseau”

Dans son article sur la représentation des enseignants dans le cinéma français, Guy Gauthier affirme que les professeurs de philosophie y sont « surreprésentés par rapport à leur importance numérique »1. Le professeur de philosophie est, en effet, dans le cinéma français, un personnage récurrent. La représentation de ce personnage, l’origine et l’évolution des topoï visuels qui le structurent, sont l’objet de ma recherche.

De Vidal, professeur de philosophie à l’université, marxiste, grand séducteur dans Ma nuit chez Maud de Rohmer (1969)2, à Nathalie, précieux exemple – parce que très rare – de femme enseignant la philosophie, personnage principal de L’avenir de Mia Hansen-Løve (2016), en passant par le très hautain Clément de Pas son genre de Lucas Belvaux (2014) et bien d’autres, le type « professeur de philosophie » existe dans l’imaginaire collectif français. Il y est, c’est l’intuition de départ que ma recherche s’emploie à vérifier, un « mythe », au sens où Roland Barthes l’entend, c’est-à-dire « un mode de signification ». Le mythe, selon Barthes, est un « objet du monde » qui passe « d’une existence fermée, muette, à un état oral, ouvert à l’appropriation de la société »3.

Le professeur de philosophie pourrait bien être un tel objet, en cela qu’il réitère dans ses incarnations successives au cinéma, des signes qui le rendent lisible par « la société », immédiatement recevable et intelligible. Plusieurs caractéristiques semblent récurrentes, mutatis mutandis, chez les personnages observés : le rapport à la séduction, la sagesse et l’immaturité, couple antinomique très souvent structurant chez ce genre de personnage, le charisme, don divin, le caractère extraordinaire dû à son savoir, ou à sa qualification, qui le rend bénéficiaire d’un statut particulier, d’une forme d’anomie.

Toutes ces caractéristiques se trouvent déclinées dans le personnage que j’analyserai ici : Benjamin Rousseau. Dernier avatar de ce « mythe » français, avatar télévisuel en l’occurrence, Benjamin Rousseau est le professeur de philosophie, plus précisément, le « prof de philo » de la série La faute à Rousseau, produite par DEMD Production et diffusée par France 2 et RTS en 2021, dont la deuxième saison est en cours de production4.

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Etude ethnographique du Berghain

En réfléchissant à la manière dont je pouvais étudier la scène club berlinoise pré-Covid pour la réalisation de mon mémoire d’étude, et plus particulièrement le Berghain, dont la réputation n’est plus à faire même en dehors de cette culture, j’ai trouvé un billet rédigé par Maxime le Calvé et Olivier Gaudin nommé « Dépeindre les atmosphères berlinoises : esquisses phénoménographiques »1. Grâce à une combinaison habile entre l’écriture et le dessin, cet article permet de mieux appréhender l’atmosphère de quatre zones de la capitale allemande de différentes dimensions sous le prisme de la sociologie, de la géographie et de l’histoire réunis dans une approche ethnographique subjective tout en offrant au lecteur une méthode pour analyser l’ambiance. De plus, l’article rédigé par Tobias Rapp dans Lost and Sound : Berlin, techno and the Easyjetset, paru en 2009, amène à une démarche similaire au sein du Berghain pour mieux saisir les différents dispositifs permettant au club d’entretenir sa réputation. A l’aide de l’approche particulière employée par Le Calvé, je chercherai à présenter le type d’ambiance qui se dégage du Berghain, et qui peut être considéré comme intrinsèque à la vie festive issue des clubs berlinois contemporains. Tout d’abord j’étudierai la méthodologie employée par Le Calvé, puis je confronterai l’analyse de Tobias Rapp à cette approche. 

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  1.  LE CALVE, M.  « Depicting Berlin’s Atmospheres: Phenomenographic Sketches » in Ambiances, 2019 []

L’USAGE DU NUMÉRIQUE DANS LES PIÈCES DE DANSE CONTEMPORAINES

ICI – Création 2010 – Extraits 9’ – Olivier Normand + Mylène Benoit

Actuellement, dans le monde de la danse on instaure des nouvelles formes de création afin de métamorphoser non seulement la perception visuelle, mais aussi la perception du temps grâce à l’usage du numérique.  Il est ainsi pertinent de s’intéresser aux nouvelles technologies appliquées à la danse  d’aujourd’hui.

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L’outil en art selon Glenn Adamson et Julia bryan-Wilson

Avant de pouvoir faire l’art, il faut faire l’outil.
 [Before you can make the art, you have to make the tool


G. Adamson et J. Bryan-Wilson, Art in the Making, p.112
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Art in the Making est un ouvrage du conservateur et écrivain, historien en design et en art contemporain, Glenn Adamson et de la professeure en art moderne et contemporain à l’université de Californie, Berkeley, Julia Bryan-Wilson. Continuer la lecture de L’outil en art selon Glenn Adamson et Julia bryan-Wilson

Étude critique des dangers du féminisme civilisationnel ; l’exemple de Un féminisme décolonial, par Françoise Vergès

Se présentant comme une critique d’un féminisme1 , que l’auteure appelle féminisme civilisationnel2 , l’ouvrage Un féminisme décolonial3 de Françoise Vergès est une réflexion qui met en exergue la coexistence d’une pluralité de féminismes au sein de l’égide même du féminisme. Ces luttes se traduisent différemment et sont menées et manœuvrées par le biais de processus divergents. Ces féminismes, qui se positionnent en fonction de certaines valeurs, de certaines pensées politiques ou de croyances particulières, peuvent s’opposer les uns aux autres, et parfois même, un féminisme peut desservir une communauté, niant l’égalité des droits de certain·e·s. Françoise Vergès4 manifeste sa position en contestant la notion de vague par exemple, qui suggère que le féminisme aurait pris racine au moment où les femmes occidentales se sont emparées de ce mouvement. Continuer la lecture de Étude critique des dangers du féminisme civilisationnel ; l’exemple de Un féminisme décolonial, par Françoise Vergès

  1. Nous préciserons ici l’un des féminismes étant donné que Françoise Vergès théorise tout au long de son ouvrage qu’il existe non pas un, mais bien plusieurs féminismes, du moins, qu’il existe différents “branchages” de féminismes. De cette façon, elle soulève les disparités présentes au sein du mouvement féministe lui-même, et la manière dont certains féminismes peuvent desservir la cause. []
  2. Françoise VERGÈS, Un féminisme décolonial, Paris, La Fabrique, 2019, p. 12. []
  3.   Françoise VERGÈS, Un féminisme décolonial, Paris, La Fabrique, 2019. []
  4. Pour cerner un peu plus les analyses de Françoise Vergès, il est rappelé sur la quatrième de couverture que « Françoise Vergès est une féministe anti-raciste, présidente de l’association « Décoloniser les arts », [elle est] l’auteure de plusieurs ouvrages et articles en français et en anglais sur l’esclavage colonial, le féminisme, la réparation, le musée.» Même si cette description dépeint de loin les qualités et accomplissements de Françoise Vergès, nous préciserons également qu’elle grandit à la Réunion ( – « Claude Vergès-Lopez décorée de la Légion d’Honneur », Témoignages,‎ 14 mars 2009. [En ligne]. URL : [https://www.temoignages.re/international/monde/claude-verges-lopez-decoree-de-la-legion-d-honneur,35648] – ., poursuivant les combats menés par ses parents avant elle. Françoise Vergès est également la nièce du célèbre avocat Jacques Vergès, qui défend et milite pour la justice du FLN, Front de Libération National, un parti politique algérien qui prend racine en 1954 au nom d’une lutte contre l’empire colonial français. Elle vit en Algérie chez son oncle afin d’y consacrer son année de terminale au lycée Descartes d’Alger, nourrissant son admiration pour le combat de son oncle ( – SIMON Patrick et LUSTE BOULBINA Seloua, « Une initiation décoloniale. Entretien avec Françoise Vergès », Mouvements, 2012/4 (n° 72), p. 143-156. [En ligne]. URL : [https://www.cairn.info/revue-mouvements-2012-4-page-143.htm] – ). Ces informations m’ont permis de comprendre, à titre plus personnel, les raisons de ses luttes, la ferveur et la dévotion qui l’animent. []

Histoire, Historiographie et Confinement.

Lorsque le confinement a été annoncé le 17 mars 2020, s’ajoutant à la longue liste des autres confinements nationaux autour du globe, beaucoup de personnes se sont aperçues qu’elles vivaient « un moment historique ». Et rapidement, l’idée de retracer notre quotidien était, sans surprise, déjà perçue et préparée par les villes : « envoyez-nous vos travaux, journaux, photographies sur le confinement, pour qu’elles soient intégrées aux archives de la ville »1 La communication était lancée : et si, cette fois, la population formait directement le corpus d’informations sur la période « historique » que nous vivions ? Mais finalement, la situation que nous vivons est-elle si exceptionnelle ? Vaut-elle l’immortalisation de nos dessins et de nos pensées ? Qu’allons-nous laisser aux générations suivantes, et comment cette période sera-t-elle perçue par les chercheurs ? Continuer la lecture de Histoire, Historiographie et Confinement.

  1. « #Mémoire de confinement à Villeneuve-d’Ascq : collecte de documents », Villeneuve-d’Ascq, en ligne https://www.villeneuvedascq.fr/memoire-de-confinement-villeneuve-dascq-collecte-de-documents La ville a indiqué via son site officiel que « Les Archives municipales vous invitent à partager votre quotidien de cette expérience individuelle et collective que nous traversons ». []

Les (nouvelles) Représentations des Féminités Dans les Performances de Drag turques : La Vierge Grincheuse et Ses Etme

Contextualisation du climat socio-politique

La Chanson “Ses Etme” est sortie avec l’album Altust d’Athena le 11 novembre 2014, un groupe de Ska Punk, Rock turc. Le clip est sorti le 4 Octobre 2016, suite à la hausse des violences envers les femmes trans en Turquie, qui a déclenché un mouvement contre la transphobie surtout après la mort d’une femme trans, Hande Kader, brulée vive le 8 août 2016. Avec cette vidéo le groupe turc a pris sa place dans la lutte contre la transphobie avec un support visuel frappant. Néanmoins, nous pouvons observer de légères traces d’esthétique In-yer-face. Les meurtres des personnes LGBTQI+, en particulier les personnes trans sont constamment invisibilisés dans les médias turcs, les meurtriers sont souvent très peu pénalisés. Continuer la lecture de Les (nouvelles) Représentations des Féminités Dans les Performances de Drag turques : La Vierge Grincheuse et Ses Etme

Sciences et cultures du visuel, master 2 de l'université de Lille

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