Manuel Bolaño : La spectacularisation de la blessure

Dans le contexte actuel, il semblerait que l’innovation et la surprise priment et le monde de la mode n’y fait pas exception. Depuis plusieurs décennies maintenant, les designers de mode se surpassent et font de leurs défilés des performances artistiques. Les défilés sont devenus un art vivant. Ceux-ci s’installent réellement comme spectacle à partir des années 1980. Nous pouvons citer Jean-Paul Gaultier, Thierry Mugler, Vivienne Westwood ou encore Alexander McQueen comme grandes figures du défilé pensé comme performance artistique. Plus que tout autre créateur, on pense d’abord au belge Martin Margiela qui assume pleinement le lien entre défilé et performance, et ce, depuis son tout premier défilé en 1989 ; où il fit marcher ses mannequins dans de la peinture rouge pour laisser des traces tout au long du podium.

Alexander McQueen, grand pionnier des défilés-performances, ouvre le bal aux extravagances, notamment avec son défilé printemps-été de 1999. Son défilé se clôture sur le top model Shalom Harlow, immobile sur une plateforme tournante et deux robots de part et d’autre, projetant de la peinture sur une robe blanche immaculée. Depuis 1999, l’artiste se démarque et repousse les limites de ses shows. Mannequins dans des boîtes en plexiglas, démarches obstruées par des formes métalliques et bien d’autres choix esthétiques qui mettent les collections au second plan. Ce choix de spectacularisation des défilés sert de support pour transmettre une idée, un message. Le défilé et le corps deviennent alors des médiums de diffusion.

Tandis que les défilés-performances deviennent une chose courante, une nouvelle surprise se profile dans le monde de la mode : Manuel Bolaño.  Empruntant le même chemin que McQueen et Westwood, il suscite la surprise générale à Barcelone et ceci à deux reprises.

Qui est Manuel Bolaño ? Né à Barcelone puis élevé en Galice, Manuel Bolaño revient à Barcelone en 2002 où il étudie le design de mode à l’école supérieure de mode et de design Felicidad Duce. Après l’obtention de son diplôme, l’artiste effectue une brève période de travail au sein de l’équipe de design de Mango. Manuel Bolaño décide ensuite de commencer à travailler sur sa propre collection. L’artiste s’inspire de l’architecture, du textile, de la peinture et du street art. Dans le monde de la mode, celui-ci s’imprègne de créateurs tels qu’Alexander McQueen ou Martin Margiela pour le souci du détail et leurs démarches créatives impressionnantes à ses yeux. De plus, Chaque collection s’inspire de l’un ou l’une de ses ami.e.s. Tant pour l’univers général que la gamme colorée, cette logique s’applique également aux noms des collections qui sont pour l’artiste des hommages.

Des hématomes à la Fashion Week ? Lors du quatrième jour de 080 Barcelona Fashion 2014, l’artiste nous présente une collection automne-hiver nommée : « the boy with sad eyes ». Ce qui attire l’œil du spectateur pendant ce défilé est le maquillage et la mise en scène du corps. En effet, ses mannequins défilent avec des bleus sur les genoux. Cependant, ce n’est pas la première fois que les mannequins de Manuel Bolaño arborent des hématomes sur le CatWalk. En effet, en 2012 à 080 Barcelona Fashion Eve, les mannequins défilent avec le visage recouvert de blessures artificielles pour la collection printemps-été : « un million de promesses, un million de cicatrices ». Ces deux mises en scène dévoilent un motif similaire qui pourtant introduit deux symbolismes très différents.

Chaque controverse dans la mode semble intimement liée à une transgression des codes du monde de la mode. Plusieurs grands renversements des critères de beauté de la haute couture, introduisant le “laid”, sont effectués par l’artiste plasticienne américaine Cindy Sherman. En effet, malgré une critique récurrente de la culture populaire et notamment de la mode, Cindy Sherman effectue plusieurs collaborations avec ce domaine. La première collaboration a eu lieu en 1983 lorsqu’elle choisit de collaborer avec Diane Benson afin de réaliser une campagne publicitaire pour son magasin.

La deuxième collaboration est celle avec Rei Kawakubo1, créatrice de la marque Comme des Garçons. En effet, entre 1992 et 1993, Cindy Sherman collabore avec cette marque dans le but de réaliser des cartons d’invitation sur lesquels l’artiste pose avec des vêtements du créateur et un maquillage que nous pourrions qualifier de théâtral. On assiste alors à une imagerie renversée de la publicité de mode, on y trouve même une certaine violence dans les images proposées. Dans cette collaboration publicitaire les vêtements n’y sont pas dépeints comme accessoire au corps, mais comme des tissus habités par le corps et par l’artiste. Nous sommes face à une imagerie intégrant le vêtement de manière presque laide, voire repoussante, dans un monde où l’on sait que ce n’est pas attendu a priori. Toutefois, Comme des Garçons est une marque qui joue avec les controverses et sa réputation subversive.

À la façon de Vivienne Westwood, celle-ci est connue pour remettre perpétuellement en question les principes établis, bien loin des critères de beauté ancrés dans la société. Maintenant, peut-on qualifier de “laid” tout ce qui se trouve en dehors des critères de beauté dictés par la société ?

Dans cette première collection intitulée : « un million de promesses, un million de cicatrices », l’artiste nous présente une collection tout à fait intéressante, que ce soit vis-à-vis des découpes, des matières ou de la spectacularisation de son défilé. En effet, le styliste espagnol nous détournerait presque le regard de ses étoffes, avec une seule chose : le maquillage des modèles. Le designer aborde un sujet délicat aux travers des différents tissus et de la mise en scène du corps. Dans le monde de l’art, il n’est pas rare que le corps soit utilisé comme médium premier. Il est d’une part accessible à tous, d’une autre il permet un impact d’autant plus fort. Lors de ce défilé, le spectateur se retrouve dans une position de témoin. Il assiste au défilé de mode, mais aussi au défilé d’ecchymoses.

Ce qui est intéressant dans le défilé de Manuel Bolaño c’est que peu importe le genre, tous les mannequins se retrouvent couverts d’hématomes. Même si son maquillage se retrouve universellement sur les modèles, on y perçoit tout de même une asymétrie. Les mannequins féminins sont quinze contre trois masculins. Le premier modèle masculin défile au dixième passage. Cette différence réside probablement dans le fait que le styliste produit essentiellement pour un public féminin. Cependant, on peut y faire un lien ; 85 % des mannequins sont féminins ce qui est plus ou moins corrélé au pourcentage de femmes victimes de violences.  Effectivement, il existe également une asymétrie de genre dans les violences sexistes. Même si l’on suppose que cet acte n’est pas volontaire dans le défilé, il exprime néanmoins la réalité de celle-ci. Toutefois, cet écart se retrouve parallèlement dans la perception de ceux-ci : Les femmes présentant ces marques dégagent instantanément une image de femme violentée. Quant aux hommes, celle qui en émane, c’est celle d’un homme s’étant battu.

La violence sexiste repose sur une asymétrie de genre et surtout une différence conséquente dans les représentations diverses. Avec la reconnaissance publique de ce phénomène, un problème supplémentaire émerge ; la sous-représentation des hommes victimes de violences. Bien que d’un point de vue quantitatif, les hommes victimes de violences occupent moins de 10 % des violences sur le territoire, il n’en reste pas moins un phénomène existant. Ce qui ajoute une dimension universelle et un parti-pris au défilé de Manuel Bolaño.

Dans cette seconde collection nommée « The boy with sad eyes », l’artiste nous présente une collection aux matériaux plus bruts. Ceux-ci sont notamment présents sur la scène dite “underground”, cette collection dégage un univers punk-rock avec l’utilisation de la résille et les broderies à l’effigie d’insectes. Toutefois, certains looks se distinguent des autres. Des silhouettes plus sportives, voire une touche de tissu fleuri, ce qui floute un peu l’intention globale du créateur. Encore une fois, un autre élément fait son apparition ou plutôt sa réapparition sur le CatWalk de Manuel Bolaño : l’hématome. Ceux-ci ne sont cependant plus sur le visage, mais sur les genoux. Le symbolisme qu’évoquent cette collection et cette mise en scène du corps est entièrement différent. Ici, les blessures sur les genoux représentent pour l’artiste une sorte d’hommage visuel aux égratignures enfantines sur les terrains de jeux. Une sorte de jeunesse retrouvée au travers des blessures.

Selon le Daily Mail2, l’artiste aurait déclaré dans une interview avec le magazine Moda en 2013 que ce motif représenterait la fougue de la jeunesse. Néanmoins, une autre idée s’inscrit dans notre esprit par le biais du langage français et ses expressions. Les bleus ou les rougeurs sur les genoux se rattachent inconsciemment à une imagerie collective, celle de « passer sous le bureau ». Expression péjorative, essentiellement destinée aux femmes, elle peut signifier deux choses : échanger des faveurs sexuelles contre une ascension hiérarchique ou subir dans le cadre professionnel un harcèlement sexuel de la part de ses supérieurs hiérarchiques. Cette hypothèse est cependant écartée suite à un entretien avec l’artiste qui déclare que cette collection représente les joies, la fougue et les blessures de l’enfance.

Lorsque l’on aborde cette notion de souvenirs de jeunesse, on pense notamment à la mémoire et la trace. Celle-ci peut être comprise dans un premier temps comme des marques attestant l’évènement. Le corps prend alors une valeur de toile vierge sur laquelle l’enfance, l’adolescence et l’âge adulte peignent leurs expériences. David Le Breton apparente la peau à un paysage dans son ouvrage Le tatouage : ou la signature de soi. « La peau, particulièrement, est l’évidence de la présence au monde. […] Sa texture, son teint, ses cicatrices, ses particularités (grains de beauté, rides, etc.) dessinent un paysage unique. Elle conserve, à la manière d’archives, les traces de l’histoire individuelle. »3.

Cet extrait s’accorde avec le travail de Sophie Ristelhueber qui, dans sa série photographique Every One de 1994, traite le corps comme un paysage. Dans son travail Sophie Ristelhueber nous présente des cicatrices en grand format, une certaine opposition s’affiche entre la laideur de la plaie encore fraîchement recousue et la beauté, l’admiration qu’elles inspirent suite à l’histoire qu’elles représentent. Les corps recousus des modèles symbolisent les cicatrices de la terre et transposent les tranchées creusées durant le conflit au Koweït.

Dans un second temps, ces traces peuvent être comprises comme une mémoire, des archives de la vie et du vécu de la personne. Ce concept est très présent dans les travaux de Nan Goldin, photographe américaine reconnue pour dévoiler son quotidien – positif ou négatif – à travers ses clichés. Son œuvre Nan one month after being battered de 1984, non seulement retranscrit cette notion de mémoire, de trace, de vécu, mais utilise le motif de l’hématome.

En abordant ces différentes notions de corps comme médium, de corps comme paysage et de corps comme archives on distingue deux thématiques sous-jacentes. Les blessures constructives qui favorisent la vie d’une personne ou de son expérience. Ces blessures constructives peuvent être rattachées aux blessures consenties, dans le monde du sport par exemple. Les blessures destructrices quant à elles, sont subies par l’individu par le biais d’un évènement extérieur ou qui leur est supérieur – comme un accident par exemple. Ces deux pôles bien distincts reprennent pourtant le même motif dans ce défilé : l’hématome.

S’il est très rare de croiser ce sujet dans le champ artistique, il est inexistant dans le monde de la mode jusqu’en 2012. L’hématome est associé à différentes choses, mais la majorité d’entre-elles semble négative. 



Citer ce billet
Laurie Francisco (2022, 16 février). Manuel Bolaño : La spectacularisation de la blessure. Voir et penser. Consulté le 17 mai 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/v8tu

  1.  Rei Kawakubo, née le 11 octobre 1942 à Tokyo, est une styliste japonaise, fondatrice de la marque Comme des Garçons et une personnalité influente et respectée du domaine de la mode. Elle est une des représentantes de l’Antimode des années 1980. []
  2. Journal britannique crée en 1896 []
  3.  Le Breton, D. Le tatouage : Ou la signature de soi (3e éd.). CASIMIRO. 2014. []

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