Actuellement, dans le monde de la danse on instaure des nouvelles formes de création afin de métamorphoser non seulement la perception visuelle, mais aussi la perception du temps grâce à l’usage du numérique.  Il est ainsi pertinent de s’intéresser aux nouvelles technologies appliquées à la danse  d’aujourd’hui.

A l’époque actuelle,  les arts et les technologies évoluent ensemble et beaucoup de compagnies s’intéressent précisément à cette évolution en développant de nouvelles interactions entre art et numérique où les deux se complètent mutuellement.

Afin de comprendre le sens de l’usage des nouvelles technologies appliquées à la danse, je me suis mis à analyser une pièce de danse “numérique” et puis à interviewer l’un des danseurs de la même pièce avec l’idée que la conjugaison de ces deux modalités permettraient d’accéder à une vision  panoramique des enjeux artistiques et techniques des créations de danse “numérique”. On pourrait se demander si le numérique est au service de la danse ou la danse au service du numérique. 

L’idée globale de ces recherches est d’essayer de voir quel est l’intérêt et le désir de l’usage de nouvelles technologies pour la danse, mais également pour essayer de comprendre les mécanismes de perception des spectateurs dans ces créations. 

Analyse chorégraphique de la pièce “ICI” – Mylène Benoit et Olivier Normand

Cette pièce de danse montre un travail important sur la temporalité et cela est grâce au dispositif numérique utilisé. La question du corps physique et virtuel est également présente.

ICI est un spectacle créé en 2010 par la compagnie Contour Progressif dirigée par la plasticienne et chorégraphe Mylène Benoit. Cette dernière croise et associe la danse, la musique, la lumière  et des éléments optiques  pour l’élaboration de ses pièces. Cette pièce a remporté le prix des rencontres professionnelles du Centre des écritures contemporaines et numériques à Mons (Belgique).

Cette analyse est faite à partir du teaser de la  pièce (car je n’ai pas vu le spectacle en réalité). Toutefois, on peut y apercevoir quelques moments importants de la chorégraphie. Elle est constituée de deux écrans installés de chaque côté de la scène, une caméra posée sur un trépied au milieu de la scène et 4 danseurs. 

Dans le premier tableau (fig.1), les 4 danseurs se trouvent de profil par rapport au public mais face à la caméra. Les premières secondes montrent que lorsque les interprètes se mettent en mouvement, la caméra projette en temps réel ce qu’ils font. Cette petite introduction expliquerait le principe du dispositif mis en place : des corps qui dansent et qui sont filmés par une caméra puis projetés en images sur les écrans. Jusqu’à la, il n’y a rien d’étonnant. Cependant, quelques secondes plus tard on perçoit le décalage de l’image vidéo par rapport aux mouvements des danseurs, et c’est à partir de ce moment-là  que le spectacle devient intéressant  parce que l’on y voit ce qui se passe (en direct) et ce qui s’est passé (sur les écrans). Il y en a donc deux dimensions qui se créent : une réelle et une autre virtuelle.

Dans le deuxième tableau, toujours sans musique mais avec un bip à la vitesse d’une horloge, l’un des danseurs s’approche de la caméra, puis se met à genou face à elle, ensuite tourne la tête, se lève et s’en va. Cette séquence de différents gestes sont ensuite copiés par un autre danseur. Ce dernier fait les mêmes mouvements, c’est-à-dire, s’approche de la caméra, puis se met à genou face à elle, ensuite tourne la tête, puis se lève et s’en va. Pendant qu’il relise ces gestes, l’image qui apparaît sur les écrans, c’est l’image du premier danseur. Il y a donc deux images : la première c’est celle du premier danseur qui a été filmé, et la deuxième c’est celle du deuxième danseur qui répète les mêmes pas de l’autre en même temps que la vidéo est projetée. Autrement dit, on voit un film avec une série de gestes qui sont filmés et projetés, puis, un danseur qui copie et fait ces mêmes gestes sur la vidéo qui est décalée entre 15 et 20 secondes environ. Cette structure chorégraphique  est l’architecture globale de la pièce : une vidéo qui enregistre les mouvements des danseurs qui sont ensuite reproduits par les mêmes danseurs en direct. Cet effet de décalage génère une temporalité : un présent qui devient passé et un passé qui devient un futur. 

Dans le tableau qui suit, les 4 danseurs sont assis sur un banc l’un à côté de l’autre et face à la caméra. Ici, le décalage est basé sur la voix car un chant introduit par l’une des danseuses et ensuite copié par les trois autres mais avec leurs propres gestes. La voix de la première danseuse est superposée sur les mouvements du danseur à côté d’elle. Ce jeu termine lorsque chacun a fait les mêmes gestes de l’autre avec la voix d’un autre. L’effet produit est un interprète qui danse en chantant avec la voix de son voisin.

Dans le quatrième tableau, les danseurs sont cette fois masqués. Ils portent des cagoules qui couvrent quasiment la totalité de leurs visages (fig. 2). Cependant le fait de porter cet élément ne modifie pas vraiment leurs gestes corporels. Le changement est plutôt peut-être pour le spectateur qui ne voit pas les expressions faciales des danseurs. 

Le principe de décalage est toujours présent, une sorte de valse se met en place où chacun va danser en solo puis en couple, mais ce couple est composé d’un vrai danseur et d’une image projetée qui est le souvenir d’un autre danseur.  A la fin de cette partie, les interprètes se déshabillent peu à peu. Ils enlèvent leurs vêtements jusqu’à arriver à la nudité totale. 

Dans le dernier tableau, les interprètes sont tous nus face à la caméra (fig. 3).Tour à tour, chaque danseur exécute différents gestes pour s’habiller mais sans prendre des vêtements puis un autre danseur prend vraiment ses vêtements et il s’habille en copiant les mouvements du danseur précédent qui sont projetés sur l’écran. L’effet ici est donc 4 danseurs réels qui sont nus et 4 danseurs virtuels qui s’habillent progressivement.

En somme, à l’aide  d’une caméra, 4 danseurs se filment en temps réel. Le principe est de copier le mouvement à partir du délai vidéo. Sur un écran on projette des images avec  quelques secondes de décalage. Les danseurs, eux, copient ces images qui apparaissent au fur et à mesure. Chaque interprète fait, reproduit et transforme un geste de tout à tour. Ils copient un mouvement mais celui-ci n’est jamais le même car il est modifié par l’interprétation de chaque danseur et par conséquent la phrase chorégraphique change graduellement. Les gestes circulent donc et se transforment à chaque tour, puisqu’un danseur fait ce que l’autre vient de faire et ainsi de suite.

Cette pièce joue avec la temporalité au passé, au présent et au futur qui émerge de la vidéo décalée. Les danseurs, eux, sont face à leurs propres images qui sont à la fois réelles et éphémères. L’effet de décalage est bien réussi et compris car le rapport corps et image est soutenu du début jusqu’à  la fin. Ces corps filmés sont déviés par le retardement visuel qui crée une dimension de souvenir, un déjà-vu d’une certaine manière. 

En associant image virtuel et corps physique il y a des gestes qui se ressemblent mais qui ne sont jamais tout à fait les mêmes. Cette contradiction joue en faveur de la composition chorégraphique car la gestuelle personnelle de chaque interprète produit une nouvelle phrase dansée, puis, une nouvelle partition, et enfin une chorégraphie qui se renouvelle à chaque fois.

En clair,  la pièce avance sur scène avec des danseurs que l’on voit au présent et 20 secondes plus tard. Au bout de 3 minutes on comprend la démarche : les images projetées sont liées aux images en direct.

Entretien téléphonique avec Matthieu Bajolet (danseur de la pièce «ICI»)

Le but de cet entretien est de voir le point de vue de l’interprète à travers son expérience vécue dans la pièce.

Quel était le point de départ de la pièce ICI ?

ICI, ça fait suite à une résidence qu’Olivier Normand et Mylène Benoit ont fait à Royaumont. À l’époque ça s’appelait Transforme je crois, dirigé par Myriam Gourfink. Royaumont est une abbaye qui est dans le Val-d’Oise et qui à chaque fois. C’est beaucoup de musique classique. Ils ont un programme d’éducation pour jeunes artistes en recherche et en danse. Donc Myriam Gourfink qui était directrice de ça pendant  je dirais 7 ou 8 ans, elle a créé le programme Transforme. Donc Olivier et Mylène ont commencé ICI mais c’était vraiment un truc de recherche. Donc ils ont eu l’idée du patch qui fait le délai, le retard. Mais je ne sais pas comment, moi je suis arrivé un an après. Donc ils ont rencontré la personne qui a créé le patch. Un patch c’est un peu ehh, on parle d’un programme qui permet de faire le décalage de la vidéo, et avec un patch on peut faire plein de choses. Ce sont des personnes, des programmateurs qui bidouillent. Les 20 secondes plus tard, ils se sont demandé c’était quoi le délai qui était plus intéressant pour un spectateur, qui fait vraiment hacher sa mémoire. Travailler ce qu’il voit. Ils font une audition et c’est là où j’arrive, et puis c’est parti pour la création.

Comment s’est passée la collaboration entre artistes ?

La collaboration s’est bien passée. C’est assez étrange en fait comme chose, parce que la partition est quand même sur écran en face de toi, donc y’a pas grande chose à discuter. Y a juste à suivre une partition qui est faite par la personne juste avant toi, ehh, à suivre. Donc, on a une partition qui est très précise et qui doit être la plus précise possible. Il y avait un leader qu’on suivait. Tout ce qu’on faisait était hyper écrit, après ce qui changeait c’était des petits détails : de regarder, de rythme, des choses qui nous surprennent, de sourire, de rire, le fou rire qui arrive chez nos collègues  et copier qui fait partie de la partition. Donc c’est aussi drôle ou horrible. 

Comment avez-vous vécu cette expérience ?

Pour moi c’est super intéressant de travailler avec les deux. Avoir deux cerveaux pour faire une pièce, c’est excellent ! Parce que ça crée un dialogue. Après nous 4, on échangeait beaucoup. Donc oui, c’était quand même une belle équipe. Le fait de ne pas se poser de questions par rapport à ce que tu dois faire et avoir cette partition face à toi, ça crée déjà une présence assez étrange, parce qu’on a toujours le regard vers l’écran et puis après y’a la bi- frontalité du public. Y’a vraiment cette idée que le dispositif soit compris, c’est vraiment une pièce dispositif. On laissait le choix au spectateur de regarder les danseurs ou l’écran. 

Avez-vous rencontré des problèmes ?

Je ne sais pas s’il y eu des problèmes en soi. J’aimerais en trouver un. Des difficultés peut-être ? Non non, c’était assez fluide ah. Parce que vraiment y’ a deux  cerveaux, on va pas arrêter de travailler. Je pense peut-être qu’ il y avait des choses très simples et très fluides. Y’a peut-être à un moment dans cette idée de copie que ça devient ennuyeux, tellement tu dois copier. Après coup c’est quand même un plaisir de pas réfléchir et d’avoir cette partition qui était là. Peut- être qu’un moment j’étais frustré pendant les répétitions.

Pourquoi parlez-vous d’une frustration ?

Parce qu’on est toujours à proposer quand on est danseur, mais c’est une frustration qui est passée assez vite, parce qu’après le fait de faire la pièce et de la diffuser et tout ça. Ça  a été toujours un plaisir de faire cette pièce. La petite chose que j’ai pu avoir un moment peut-être pendant la création de devoir seulement copier, parce que c’est pas tout à fait vrai, parce qu’on parle pendant, par exemple, avec ce fou-rire on était pas tous d’accord. Qu’est-ce qu’on fait ? Est-ce qu’on joue avec ? Est-ce qu’on le cache ? 

En tant qu’interprète, qu’est-ce que vous avez appris de cette expérience ?

On apprend toujours, non ? J’ai appris à me voir. 

Ce dispositif modifie-t-il la danse ?

Je pense en effet que ça la cadre complètement, mais en même temps j’ai une marge de manœuvre pour faire ce que je veux. Est-ce qu’on fait une copie rigide ? Ou une copie qui respire un peu plus ? Moi, je fais partie des gens qui veulent faire des copies qui respirent un peu plus. Ça dépend vraiment des interprètes. Est-ce que ça modifie quelque chose ? Non je crois pas du tout.

BILAN

Ce que l’ on peut faire ressortir de cette interview c’est qu’ il y a un paradoxe entre facilité et frustration. Il s’agit, d’une part, de la facilité que donne le dispositif au moment de danser, parce que la vidéo montre la chorégraphie en temps réel aux danseurs comme on a pu l’observer dans l’analyse et comme le confirme le danseur. Ce dispositif permet donc à l’interprète de suivre la danse qui est écrite sur l’écran. D’autre part, cette facilité crée une frustration chez le danseur car il est soumis à ce dispositif : il doit simplement copier ce qui est projeté en vidéo, et cela l’empêche d’avoir sa propre liberté. 

Dans cette perspective, la technologie serait au-dessus des danseurs, car ils sont limités par le dispositif, mais il faut aussi comprendre qu’au final c’est le parti-pris des chorégraphes. De même, le numérique en lui-même est à la fois le problème et la solution de ces spectacles. Certes, c’est un paradoxe. On a vu que le numérique peut être parfois un partenaire de danse, il peut aussi être le médium par lequel on peut donner à voir ce qui n’est pas perceptible, et faire quelque chose de spectaculaire dans le cas des images projetées qui provoquent des effets visuels incroyables, mais il peut être également  une contrainte importante au moment de le prendre comme élément remarquable dans les créations de danse contemporaines. Il est clair que c’est un risque d’utiliser le numérique dans les pièces de danse car il peut devenir un enjeu dominant la danse elle-même. Mais en même temps c’est peut-être  le prix qu’il faut payer pour voir un autre type de danse auquel nous sommes habitués.

L’analyse chorégraphique nous amène à la question du spectateur, tandis que  l’entretien nous amène à la question  du point de vue de l’interprète. Il est évident que la conjonction entre art et science soulève des questionnements. Nonobstant, on constate que de plus en plus les artistes s’ouvrent à de nouvelles possibilités techniques pour produire des pièces hors du commun. On remarque ainsi des écritures transdisciplinaires qui associent musique, images, danse, et dispositifs numériques. L’articulation entre ces disciplines se fait donc par la rencontre des artistes, des chercheurs, des musiciens, des plasticiens, des ingénieurs etc.  Ces collaborations à différentes échelles construisent de nouvelles formes de production des œuvres d’art. 

Le numérique reste donc pour le moment, un outil, une expérimentation et une recherche dans les créations chorégraphiques. 

Rapsw Calapsu Cano

Crédits 

 « ICI »

Durée. 55mn

Création. 2010

Conception. Mylène Benoit + Olivier Normand

Interprétation. Nina Santes, Beatriz Setien, Matthieu Bajolet, Denis Robert

Ingénierie vidéo. Quentin Descourtis, Christian Thellier

Développement informatique. Julien Delmotte

Production. Valentine Lecomte / Cie Contour Progressif

Co-production. Fondation Royaumont – Programmes Transforme et Voix Nouvelles / Le manège.mons/CeCN / CCN de Franche-Comté à Belfort / Studio Art Zoyd / Tanzhaus NRW à Düsseldorf / Filage – conseil et accompagnement de projets artistiques et culturels

Soutien au projet. Danse à Lille, Charleroi Danse

Spectacle lauréat des rencontres professionnelles VIA 2010 du CeCN – Centre des écritures contemporaines et numériques – à Mons.

Contour Progressif est soutenue par la DRAC Nord-Pas de Calais au titre de l’aide à la compagnie et par le Conseil Régional Nord-Pas de Calais au titre de l’aide à la création.

Tournée 2011. Le Vivat, Armentières La Condition Publique, Roubaix Le Vivat, Armentières Buda Kunstencentrum, Kortrijk (Belgium)PhéniX, Valenciennes Hippodrome, Douai Théâtre, Vanves Espaces pluriels, Pau

Tournée 2010. Fondation Royaumont, Royaumont (Belgium)Le Garage, Roubaix Théâtre Royal, Mons (Belgium)Théâtre de la cité internationale, Paris Tanzhaus NRW, Düsseldorf (Germany).

Sites Web

Compagnie ContourProgressif : https://www.contour-progressif.net/projets/spectacle/ici

« ICI ».https://www.contour-progressif.net/projets/spectacle/ici 

Mylène Benoit. http://ici-ccn.com/artistes/mylene-benoit-biographie

Matthieu Bajolet. https://fr.linkedin.com/in/matthieu-bajolet-a42b0256

Olivier Normand. Danseur et chercheur. https://www.franceculture.fr/personne-olivier-normand

 Centre international pour les artistes de la musique et de la danse. https://www.royaumont.com/fr/formation-et-recherche

Myriam Gourfink. Danseuse et chorégraphe. http://www.myriam-gourfink.com/biography.html

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